Monthly Archives: September 2008

Free Jazz review by Stef

Fight The Big Bull – Dying Will Be Easy (CF 108)

This is for sure one of the year’s albums with the highest musical dramatic effect, a score for a bull-fight, for a lost war, integrating musical genres as if there was no difference between them : marching band, New Orleans jazz, flamenco, blues. And when listening to this band, there is indeed no difference, all these genres fit perfectly well, sharing the same emotional genes. The band, led by guitarist Matt White, further consists of Pinson Chanselle and Brian Jones on percussion, Cameron Ralston on bass, Bob Miller on trumpet, Reggie Pace and Bryan Hooten on trombone, J.C. Kuhl on tenor saxophone and Adrian Sandi on clarinet. The album is short, a little of thirty minutes, yet worth every second of them. The first track “Dying Will Be Easy”, starts with a dragging marching band rhythm and atmosphere, leading on the listener into their world, like the throngs of village people following the musicians to the bull’s final destiny. The second track “November 25th” is dark, with the horns in full counterpoint with the rest of the band, with flamenco handclapping supporting a brilliant trumpet solo, before the main theme starts again, cinematic and impressive. The third track “Grizzly Bear”, starts with a full forward moving big band theme, but then rough and raw, disciplined with an edge, as an intro for a percussion solo, challenged in a duel with the bass, and with perfect timing, the band barges in again, with a fierce trombone solo on top. The highlight of the album is certainly the last track “In Jarama Valley”, which starts as a slow blues, with the trumpet playing in deep emotional sadness. The title referring to the battle of Jarama during the Spanish Civil War, and the following lines capture the atmosphere quite well:

“There’s a place in Spain called Jarama
It’s a place that we all know too well.
For ’tis there that we fought against the fascists
And saw a peaceful valley turn to hell”.

After the trumpet, the sax takes over, creating a little lighter mood at first, but when the rest of the band joins, full distress and despair ensues, with horns blowing in all directions, drums thudding and bass pounding, suddenly stopping for sparse guitar sounds and a wailing blues trumpet, for an even slower and sadder mood, heartbreaking as can be. If anything, it makes me think of Charlie Haden’s “The Ballad For The Fallen” in its grand sweeping theatrical display of sympathy with the underdog against the one in power, integrating all musical styles possible to demonstrate the universality of the theme, yet at the same time using the expressive elements that make these styles great and turning them into one big piece of an auditive story, the drama of mankind, but then compressed, condensed into half an hour of musical delight.

All About Jazz Italy review by Libero Farné

Carlos “Zingaro” / Dominique Regef / Wilbert DeJoode – Spectrum (CF 110)
Ogni volta che in un CD troviamo brani a firma congiunta siamo spinti a pensare che si tratti di improvvisazione collettiva e radicale. In realtà soltanto un colloquio coi musicisti o note di copertina particolarmente precise potrebbero confortarci nella nostra supposizione, escludendo il dubbio che ci sia stata un qualche accordo fra i musicisti prima dell’esibizione: appunti grafici, numerici o verbali, il ricorso volontario o meno a temi melodici dell’uno o dell’altro protagonista…
Nelle note di Spectrum Rui Eduardo Paes, stimato critico portoghese, afferma che “jazz da camera”, Third Stream Music, Crossover o fusion non sono categorie applicabili alla musica di questo trio d’archi, i cui membri si immergono in profondità e senza condizionamenti nel crogiolo del materiale sonoro, concentrandosi su strutture aperte e spontanee. Sembra dunque, fino a prova contraria, che questo CD, registrazione del concerto svoltosi il 5 febbraio 2004 allo Spectrum Festival di Porto, proponga appunto la più pura improvvisazione collettiva e radicale.

Detto questo, va subito aggiunto che l’esibizione è di altissimo livello qualitativo. Un’inventiva senza limiti ed un interplay istantaneo rendono l’evoluzione costantemente tesa e sorprendente, nella varietà e coerenza delle soluzioni messe in campo. Due sono le componenti principali, fra loro interconnesse: quella timbrica e quella dinamica. Dei tre musicisti, l’olandese DeJoode è colui che mantiene maggiormente il ruolo e la sonorità tradizionali del suo strumento, producendo un contrappunto scuro e puntato, un ruminare pensoso, pur sempre variato e di grande efficacia sia al pizzicato che con l’archetto. Il violino del portoghese Zingaro e la ghironda del francese Regef (il cui apporto anomalo, costante e singolarissimo risulta fondamentale) si integrano, si sovrappongono, si intrecciano, emanando una gamma incredibile di sonorità: di volta in volta sembra di ascoltare voci umane, sitar, armoniche a bocca, flauti, theremin e strumenti elettronici (la cui totale assenza stupisce).

L’aspetto timbrico però non è mai effettistico e fine a se stesso, ma è motivato e supportato dall’andamento dinamico e narrativo. Il procedere del racconto, forgiato via via dal dialogo a tre, si tende, si dilata, sussulta, divaga, si infittisce di voci o, raramente, prevede soliloqui, si spegne, si fa ossessivo o leggiadro, giustificando così una pronuncia eterodossa e complessa, ma del tutto funzionale. Se questa è l’impressione che si coglie dall’ascolto del CD, si può bene immaginare l’impatto esercitato dal concerto sui presenti, al numero dei quali ci si rammarica di non appartenere.

Jazz & Blues Music review by Tim Niland

This has been a very good year for saxophone trios, with fine records from Donny McCaslin, J.D. Allen and Steve Lehman. Add to that list a trio led by bassist and composer Adam Lane, joined here by Mark Whitcage on alto saxophone and clarinet and Lou Grassi on drums. This is a lean and strong trio that works well together, beginning with “The Last of the Beboppers” which is nice raw free-bop, featuring Whitcage’s strong alto saxophone sounding good over swirling bass and drums. “Sanctum” has a mellow and vaguely Middle Eastern feel, very open sounding and mysterious as is “Like Nothing Else” which has a low and caustic bowed bass opening that evolves into an ominous, probing and swirling improvisation. “Chichi Rides the Tiger” is a strong performance with cool high sounding reed improvisation. Fast paced and interesting, this is one of the of the highlights of the disc. “Avanti Galoppi”, “Marshall” and especially “Five O’Clock Follies” from the latter half of the disc are excellent as well, sounding akin to the tough, streamlined saxophone trios that Sonny Rollins led in the 1950’s. This is interesting music that blurs the intersection between mainstream and avant-garde jazz in an intelligent and thoughtful fashion.

Adam Lane / Lou GRassi / Mark Whitecage – Drunk Butterfly (CF 116)

Pinkushion review by Patrice Fuentes

Adam Lane/Lou Grassi/Mark Whitecage – Drunk Butterfly (CF 116)
Voici un trio de fins limiers qui papillonne entre les styles (bop, free, musique orientale, voire africaine), l’avant-garde et le jazz mainstream, tout en élaborant une esthétique des plus cohérentes, à défaut d’être fondamentalement novatrice. Cela sans forcer un talent depuis longtemps émancipé de sa chrysalide. Principe de la métamorphose : le dépli des formes, en un battement d’ailes. Belle propension de la formation à construire/déconstruire des architectures harmoniques, foisonnantes mais toujours lisibles, autour d’une mélodie serpentine, à tramer des récits musicaux comme autant de délectables fantasmes. Elasticité (mouvement) plutôt que plasticité (fixité), clairement palpable à l’écoute des oscillations rythmiques d’Adam Lane, dont le toucher allie vivacité, ductilité et précision de l’impact (les prises de paroles/baguettes de “The Last of the Beboppers”, “Avanti Galoppi”). A la contrebasse, Lou Grassi épouse lui aussi des courbes à la fois souples et tendues, cède à la tentation de l’échappée belle (le bourdonnement liminaire de “Like Nothing Else”, les remous accidentés de l’épique “Chichi Rides The Tiger”) pour mieux réinvestir le cœur de l’exposé collectif, trace des lignes directrices imposantes (tel l’axe joyeusement obsédant de “Sanctum” et “Avanti Galoppi”) que ses comparses s’échinent ensuite à faire dévier où bon leur semble. Allers-retours et déviations empruntés également par le saxophone alto (ou la clarinette) de Mark Whitecage, songeur et méditatif à l’occasion (“Avanti Galoppi”, “Marshall”), le plus souvent haletant (“Chichi Rides the Tiger”, “Drunk Butterfly”, “Imaginary Portrait”, “Five O’Clock Follies”). Au final, associations et projections finement pensées, formes ouvertes et recloses nouées à un désir de fraîcheur et d’accomplissement partagé font de Drunk Butterfly une œuvre aussi admirable que délectable.

All About Jazz Italy review by Vincenzo Roggero

Mark Dresser / Ed Harkins / Steven Schick – House of Mirrors (CF 117)
Pensato inizialmente come un duo tra Mark Dresser e Ed Harkins, il progetto House of Mirrors è stato poi realizzato in trio con l’aggiunta del percussionista Steven Schick. Scelta quanto mai vincente perché il frullare delle percussioni, le macchie timbriche, il pulviscolo ritmico di Schick tolgono la registrazione dalle secche di un jazz eccessivamente cameristico. Pur avendo come riferimento la musica contemporanea e musicisti come Iannis Xenakis e Roger Reynolds, per citare due esponenti particolarmente amati da Harkins e Schick, House of Mirrors pulsa di vita propria e nelle sue vene scorre anche il linguaggio dell’improvvisazione.
La maestria sui rispettivi strumenti è elemento altrettanto fondamentale per la riuscita del progetto. Mark Dresser si muove tra le strutture aperte delle composizioni come nel giardino di casa, e con uno speciale sistema di amplificazione riesce a trarre dal suo contrabbasso una gamma infinita di soluzioni che non prescindono comunque dal suono scuro, caldo, ammaliante dello strumento. Ed Harkins utilizza i suoi vari tipi di trombe in modo assai poco convenzionale; trilli, soffi, sbuffi, frammenti di frasi che paradossalmente danno ritmo, un ritmo più metafisico che reale, alle esecuzioni. Mentre Schick alla scansione metrica sembra poco interessato, impegnato com’è a utilizzare poco ortodosse tecniche percussive per creare umori e silenzi sui quali adagiare le idee musicali del trio.

Alla fine House of Mirrors risulta uno specchio fedele della filosofia Clean Feed, etichetta portoghese impegnata a dare testimonianza anche delle frange meno etichettabili che ruotano attorno alla musica improvvisata.

Tomajazz review by Yahvé M. de la Cavada

Paulo Curado – The Bird, The Breeze and Mr. Filiano (CF 113)

Jorge Lima Barreto – Zul Zelub (CF 111)

Portugal se mueve, eso está claro. No solo por la incesante demostración de coherencia (y excelencia) discográfica de Clean Feed, que cada poco tiempo nos sorprende con nuevas y magnificas grabaciones, sino por la cantera de músicos portugueses interesantes. En realidad, más que por los músicos, por la gran cantidad de ideas desarrolladas en el país vecino, afrontadas con sapiencia, libertad y un fuerte sentido del riesgo.

Dos nuevas referencias del catalogo Clean Feed documentan esa inquietud; dos propuestas completamente diferentes, que ponen de manifiesto la variedad de la escena portuguesa.

Por un lado tenemos a Paulo Curado, un saxofonista sobresaliente al que hemos podido escuchar en multitud de proyectos, que en esta ocasión forma trío con su compatriota Bruno Pedroso y con un invitado especial: Ken Filiano.

The Bird, The Breeze and Mr. Filiano es un disco que me ha sorprendido desde el primer momento. Viendo la formación y que todas las piezas son aparentemente improvisaciones colectivas, uno espera encontrarse ante una blowing session libre y poderosa. Sin embargo, resulta difícil creer que muchos de los temas del disco (muy buenos, por otro lado), sean completamente improvisados, tanto por su forma como por la pulcra ejecución del trío. Por otra parte, la libertad esta ahí, evidentísima, así que más bien da la sensación de que, antes de la grabación, los músicos pudieron tomarse un tiempo diseñando escenarios y acordando lugares comunes. Sea como sea, tanto en los temas colectivos como en los solos y dúos que los aderezan, hay una forma específica y dúctil, que permite a los miembros del grupo expresarse con naturalidad sin deformarla.

Curado se manifiesta como un solista interesantísimo, con un sonido clásico que a veces recuerda a Ornette, pero con una carga espiritual más fuerte. Sus fraseos, quebrados y urgentes, están empapados de un fuerte sentido melódico. Su trabajo con la flauta deja con ganas de más, gracias a su estupendo sonido y a la mencionada espiritualidad que rezuma.

Filiano es uno de los mejores contrabajistas de la escena y aquí su papel le permite mostrar todas sus cualidades. Apoyado por un sonido sublime (cosa no tan habitual en los contrabajistas), improvisa con swing y un lirismo que no siempre aflora en sus grabaciones. Pedroso es un batería sólido, capaz de tocar en múltiples situaciones de forma convincente. Aquí se muestra implicado y comunicativo, atento a lo que sucede para obrar en consecuencia.

En definitiva, podemos decir que este trabajo sobrepasa las expectativas y se sitúa entre lo mas interesante producido en la escena portuguesa de los últimos años. ¿Por qué? Pues simple y llanamente porque suena grande y trascendente, transmitiendo la sensación de que dentro de unos años va a sonar tan fresco como hoy.

Jorge Lima Barreto es una figura capital en la música creativa portuguesa desde hace más de 25 años, tanto con el dúo Telectu como en solitario con su música, obras y escritos. Muy cercano a la música contemporánea y la electrónica, mezcla ambas tendencias con el espectro jazzístico en Zul Zelub, formado por dos largas piezas que no queda claro si buscan contraponerse o complementarse. En cualquier caso, esta es una obra experimental que tiene mucho de concepto y algo de solidez, aunque no la suficiente.

La idea es desarrollar composiciones e improvisar sobre dos medios diferentes: en “Zul”, sobre ondas de radio aleatorias producidas en directo y en “Zelub”, sobre cuatro CDs pregrabados con elementos de sonido natural. La cuestión es que la idea es interesante y durante muchos momentos resulta inspiradora, pero la larga duración de ambas piezas hace que sea imposible no perder el interés con facilidad.

Incluso afrontando Zul Zelub como un recital de piano solo, Barreto no consigue sobrevivir a las dimensiones de su propio proyecto. Tampoco hay que obviar que Barreto es un cuidado estilista del teclado, capaz de conjugar un lirismo delicioso con los pasajes más beligerantes, y que referentes clásicos como el ineludible Cecil Taylor, aportan el punto de tradición a la música. En cualquier, caso, un esfuerzo que resulta muy interesante y arriesgado, pero difícil de sostener durante los mas de 75 minutos de duración del disco.

Tomajazz review by Yahvé M. de la Cavada

Trio Viriditas – Live At Vision Festival VI (CF 115)

Adam Lane / Lou Grassi / Mark Whitecage – Drunk Butterfly (CF 116)
Hay toda una comunidad de músicos underground que pasean su honestidad por diferentes escenarios y sellos discográficos. No hay entre ellos ningún tipo de factor común más allá de la forma de afrontar la música, que no es poco. Pero la valentía no les pertenece solo a ellos, sino a esos escenarios y esos sellos que con más o menos presupuesto (generalmente esto ultimo) les dan la plataforma para llegar a un publico mas amplio.

Tanto Adam Lane, Mark Whitecage y Lou Grassi por un lado, como Alfred Harth, Wilber Morris y Kevin Norton por otro, han podido beneficiarse de algunos de esos festivales y sellos (particularmente CIMP), entre los que destaca Clean Feed, en donde todos ellos han visto publicado más de un trabajo suyo. Dos tríos con un planteamiento inicial similar (la clásica formación viento-bajo-batería), que acaban desarrollando música muy diferente.

En primer lugar, hay que dejar claro que una grabación inédita del trágicamente fallecido Wilber Morris es un acontecimiento en si misma. A partir de ahí, hay que entender también que Live At Vision Festival VI es un documento único de un peculiar trío que se disolvió en el mismo día que Morris fallecía.

El denominado Trio Viriditas reúne al multiinstrumentista alemán Alfred Harth (que suele firmar como Alfred “23” Harth e incluso como A23H) con dos titanes de la escena neoyorquina, Morris y el inconmensurable Kevin Norton. Harth, que reside desde hace tiempo a caballo entre Corea y Japón (se le ha podido escuchar en varios grupos de Otomo Yoshihide) es un músico multidisciplinar que toca maderas y metales indistintamente. Este detalle puede hacer que afloren similitudes entre este grupo y otro ilustre trío liderado por otro saxofonista-trompetista: el Trio X de Joe McPhee, Dominic Duval y Jay Rosen. Sin embargo, el discurso de Harth carece de la profundidad del de McPhee y, por otro lado, por muy buenos que sean Duval y Rosen, no son ni de lejos Morris y Norton. Tal y como estoy sugiriendo con este comentario, este Live At Vision Festival VI se sustenta principalmente sobre la excelente base de estos dos músicos.

Un papel como el que adopta Harth, que cambia obsesivamente de instrumento, es con seguridad mucho más disfrutable contemplando la actuación en directo que en disco, donde se resiente ligeramente. Hay solos del alemán que empiezan pero nunca llegan a ser desarrollados, dejando al oyente con una sensación confusa. Sin llegar a ser errático, esa falta de focalización hace que destaque aún más la labor de sus compañeros. Morris y sobre todo Norton captan la atención la mayor parte del tiempo, con enrevesadas líneas de contrabajo, un drumming intenso pero orgánico y unas texturas armónicas al vibráfono que hacen de Norton un verdadero prestidigitador.

Si a esto añadimos buenas y muy variadas composiciones, tenemos un disco que, si bien no podemos considerar redondo (el sonido no es perfecto, hay algún dropout que deja incompleto algún tema…), es sin ninguna duda un gran pedazo de música.

Adam Lane, Lou Grassi y Mark Whitecage son tres francotiradores de la escena underground que no dejan de trabajar, moviéndose de un proyecto a otro. Dada la música que suelen producir por separado, uno esperaría que Drunk Butterfly tuviese más free tradicional o, al menos, más rabioso. Sin embargo, estamos ante una grabación serena y reflexiva, lo que no quiere decir que no haya tensión y libertad a mansalva. La premisa es rendir homenaje a viejos maestros (no en vano una de las piezas se llama “The Last of The Beboppers”) manteniendo un carácter contemporáneo; algo que en las liner notes se define atinadamente como “Avant Swinging Bop”.

Whitecage, un gran músico mucho menos conocido de lo que debiera, no sólo brilla al saxo alto (su instrumento habitual), sino que nos obsequia con algunos solos memorables al clarinete. Es natural que sea el solista principal, siendo el único viento, pero es que el saxofonista tiene muchísimo que decir a todos los niveles: ideas, sonido, ejecución… Lane, además de ser un acompañante fantástico, solea con inteligencia y usa el arco en numerosas ocasiones, siempre con éxito. Lou Grassi puede resultar un poco cansino en alguna de las grabaciones de su mastodóntica carrera, pero aquí esta lúcido, intuitivo, sosteniendo el conjunto sin estridencias pero sin dejarlo caer en ningún momento.

En general, todo el aspecto instrumental es de una perfección difícil de ver últimamente. Aunque eso sería suficiente para estar ante un gran disco, las composiciones son tremendas, completamente alejadas del tono casual y marrullero de algunas grabaciones de este tipo. Todo parece estar asimilado, interiorizado y dispuesto para servirse con fluidez y sentido. Los tres miembros aportan composiciones pero, en este caso, Adam Lane se muestra superior (quizá por ser el músico mas completo del trío) firmando los mejores temas del CD.

Poco hay que elucubrar sobre Drunk Butterfly más allá de decir simplemente que se escucha de cabo a rabo con atención y que, al final, uno quiere volver a escucharlo. Esto es lo que pasa con este tipo de discos: uno se acerca a ellos esperando encontrarse lo habitual y se da de bruces con un disco de primera categoría, muy por encima de la mayoría de las grabaciones de los implicados. Que por cierto, tampoco suelen estar nada mal.

Tomajazz review by Yahvé M. de la Cavada

Mauger – The Beautiful Enabler (CF 114)

Mark Dresser / Ed Harkins / Steven Schick – House Of Mirrors (CF 117)
Mark Dresser es un músico profundo, experimentador e inteligente. Desde hace décadas se ha dedicado a pasear por los paisajes del jazz en busca de cosas nuevas que decir, tanto en su faceta de contrabajista, como en la de líder y compositor. Muchos palos ha tocado en este tiempo y nunca ha resultado decepcionante; sus aventuras le han llevado a formar parte de algunos de los grupos mas emocionantes de los últimos años y a participar e incluso liderar decenas de discos memorables.

El sello portugués Clean Feed es uno de los que más (y mejor) ha documentado su trabajo reciente, desde su solo de contrabajo Unveil al fantástico dúo con Roswell Rudd, Airwalkers. Ahora salen de golpe dos grabaciones más protagonizadas por Dresser pero, como suele ser habitual en él, tratadas de una forma colectiva.

Mauger es un super-trío, un all-stars, un dream-team o como se le quiera llamar. El hecho está formado por Rudresh Mahanthappa, Mark Dresser y Gerry Hemingway, tres músicos que con su sola presencia avivan el interés por una grabación, con lo que verles juntos hace salivar el oído rápidamente.

Teniendo en cuenta la versatilidad de cada uno de ellos, de buenas a primeras es difícil saber con qué nos vamos a encontrar, al menos en cuanto a enfoque (la calidad está más asegurada). Afortunadamente ninguna personalidad solapa a otra, y los tres se ven completamente representados, tanto a nivel instrumental como compositivo. En The Beautiful Enabler hay lugar para composiciones de todos ellos e incluso para una creación colectiva.

Lo mágico del disco es que transmite una sensación de flexibilidad que hace que, reconociendo claramente el carácter particular de cada músico, todo fluya como un “todo” poli-estilístico, como si los tres instrumentos se abrazasen con fuerza hasta amoldarse milimétricamente uno a otro. Esta unidad confiere naturalidad al proyecto y, aunque Hemingway suena algo más contenido en ocasiones o Mahanthappa algo más clásico, la música respira y se expande por el aire, imbatible.

The Beautiful Enabler es una de las grabaciones ineludibles del año, y Mauger, uno de los grupos que más prometen de los aparecidos en los últimos años.

Con House Of Mirrors, el otro disco que nos ocupa, aflora la faceta más cercana a la música contemporánea de Dresser. Otro trío en este caso, muy diferente al anterior. Dresser decidió escribir todas estas composiciones inspirado en el libro pedagógico de ritmos de Edwin Harkins, una figura capital de la New Music y un virtuoso de la trompeta (en este disco toca hasta 6 modelos diferentes, todos poco habituales en el ámbito jazzístico). Dresser y Harkins, mano a mano, escribieron y desarrollaron el proyecto como dúo, ensayando ocasionalmente y llegando a actuar en una ocasión. Tiempo después Dresser se unió a la Universidad de California-San Diego, donde Harkins imparte clases desde hace años. Allí el proyecto tomó forma con la incorporación de Steven Schick, profesor de percusión de la UCSD y un nombre muy conocido en los círculos de la música contemporánea.

House Of Mirrors es un esfuerzo experimental, pero tremendamente asequible, en el que es difícil separar lo que es composición de lo que es improvisación. Afortunadamente, todo el disco posee una indudable libertad que le sitúa adecuadamente entre la música contemporánea y el jazz. Lejos de encorsetarse en caminos limitados o expuestos a demasiadas premisas iniciales, la variedad y desenfado de la grabación resulta refrescante.

El papel de Dresser, tan importante como el de Harkins, no es tan deliberadamente protagonista en una escucha parcial. Pero incluso Schick, que parece supeditado a un segundo plano, ve resurgir su papel a medida que se suceden las escuchas. House Of Mirrors es un proyecto completamente colectivo, imposible de llevar a cabo sin alguno de sus miembros pero, además, debe entenderse como un conjunto en todos sus aspectos. A pesar de la solidez independiente de la mayor parte de las piezas, es en una exposición completa en la que podemos percibir el carácter de la obra y los centenares de matices que contiene.

Ambos discos muestran dos caras de un mismo Mark Dresser, acompañado por personalidades tan interesantes como él. Un mismo Mark Dresser para músicas muy diferentes. Eso si, todas buenas.

All About Jazz Italy review by Enrico Bettinello

Angles – Every Woman Is a Tree (CF 112)
Musicista che si muove con grande curiosità su diversi piani di linguaggio – da quello più aderente alla tradizione free, come nel caso degli Exploding Customers, a quello più radicale che esplora le tecniche meno convenzionali dello strumento – il sassofonista svedese Martin Küchen non nasconde mai una matrice “politica” che contribuisce a muovere il suo universo espressivo.
Every Woman Is a Tree è quindi innanzitutto un disco profondamente “politico”, nel senso di una musica che prende spunto dal disagio di rapportarsi contro le inguistizie e gli orrori della guerra e vuole ispirare una riflessione in questo senso. La splendida band che Küchen ha radunato sotto il non troppo conciliante nome Angles è completata da alcuni dei più interessanti musicisti della scena scandinava creativa, dal trombettista Magnus Broo al meno conosciuto trombonista Mats Äleklint, passando per il vibrafono di Mattias Ståhl [ottima scelta timbrica, questa], il contrabbasso di Johan Berthling dei Tape e la batteria di Kjell Nordeson.

L’immagine del titolo, ripresa in copertina da un’illustrazione semplice quanto efficace di Travassos, identifica già la natura di nutrimento e condivisione che la musica si prefigge: nei sei brani registrati dal vivo a Stoccolma nel marzo del 2007, traspare un’urgenza e un impegno che si riflettono positivamente sulla musica. Costruito con un lessico consolidato – ricco di echi estatico-modali anni Sessanta – che aggiunge, spira dopo spira, i propri elementi melodici e ritmici al mood di base, il disco è infatti pervaso da una sensibilità condivisa che non tarda a trasformarsi in immediatezza.

La donna rifugio in tempo di guerra, la musica più vivida come risorsa in un mondo nel quale gli interessi economici certamente non favoriscono espressioni artistiche poco controllabili, una naturale funkyness a sostenere la dialettica tra solista e collettivo: un disco riuscito, spesso emozionante.

All About Jazz review by Libero Farnè

Michael Dessen – Between Shadow and Space (CF 106)
 Ecco un Cd attuale, piuttosto vario, senza dubbio interessante, anche se non convincente dall’inizio alla fine. In quasi tutti i brani Dessen affianca al trombone l’utilizzo del computer, deformando ed integrando con sonorità filamentose la pronuncia classica dell’ottone. Fra i trombonisti dell’avanguardia storica Grachan Moncur III è quello il cui insegnamento traspare maggiormente nel linguaggio di Dessen: l’attacco delle note, inizialmente deciso e screziato, nelle parti finali delle frasi evolve verso un ripiegamento un po’ malinconico.
Ciò è evidente soprattutto in “Between Shadow and Space” (titolo tratto da un poema di Neruda), il cui tema emerge solo alla fine, dopo un’improvvisazione ciclica. In “Anthesis” invece, introdotto da un pregevole assolo di Tordini, la strutturazione più nervosa rimanda a modelli più recenti, quali Tim Berne o Steve Swell. “Duo Improvisation” è un dialogo estemporaneo fra Dessen e Sorey su cadenze prevalentemente intimiste e figurazioni astratte, mentre “Granulorum” naviga fra situazioni diverse senza una finalizzazione evidente. Nel brano conclusivo la sovrapposizione fra piatti, archetto, elettronica tende a creare una suggestiva trama ricorrente, dilatata e ricca di armonici.

I due partner del leader si rivelano decisamente all’altezza della situazione: Tordini possiede un tocco deciso, personale, una notevole sonorità risonante, sia all’archetto che al pizzicato. Sorey, giovane di cui si dice un gran bene e messosi già in luce in altri contesti, presenta un drumming nodoso ed un’indipendenza degli arti che gli permette di ricercare metriche sghembe.