Monthly Archives: April 2009

Touching Extremes review by Massimo Ricci

cf-124SEAN CONLY – Re:Action (CF 124)
Bassist Sean Conly wrote the music of Re:Action “to let people play the way they play”, yet this quartet – which includes a two-forward saxophone section consisting of Tony Malaby and Michael Attias plus Pheeroan Aklaff on drums – is tightly self-disciplined and performs with composed fire, so to speak. The result is an excellent album, in which no trace of lackadaisical indetermination is found, a persuasive interpretation of tunes that sound exuberantly enthusiastic, calmly scowling, intelligently disengaged from the normalcy of jazz formulas.

The opening cover of Eric Dolphy’s “Gazzelloni” instantly establishes the fundamental temperament, an abjuration of traditional rules that nevertheless concedes very little to the cannibalistic freedom of uneducated freewheeling: the group is solid, its cohesion clearly evident since the first measures of the tune. In a completely different setting – Conly’s “Saitta” – there’s room for classic soloing by the leader, but the theme is what actually gets noticed, a combination of impassive angularity and rhythmic brashness that causes automatic movements of the limbs.

One also digs the skillfully soft-spoken “Luminiferous Aether” and “Illes Du Vent”, penned by Conly with Attias, in which the delicate side of the bassist’s personality is paralleled by the reedist’s refined classiness and sensibility in brief episodes of reciprocal good manners. On the other hand, “Something I Said?” brings in a degree of tension immediately lessened by a warm bass solo introducing additional contrapuntal conviviality immersed in agreeable dissonance.

Although I dare anybody to memorize a single minute of this record, the mark that it leaves is one of indelible brightness, splendidly symbolized by the gorgeous arrangement of “Suburban Angst”, which sounds like someone trying to escape from creditors by running in alleys, Aklaff spectacularly breaking the tempos while Malaby and Attias exchange incendiary darts with unbelievable ease, ready to return to home base when the composite leit-motif calls everybody back. Even an oddity such as the abstract-sounding “Concrete Garden” seems perfectly placed in the record’s context, therefore no more words: go get this CD pronto. It’s great.

All About Jazz interview by Eyal Hareuveni


Mark O’Leary interviewed by Eyal Hareuveni talks about his musical vision, records and projects including some notes on “On The Shore” (CF 091).

Very interesting, check out at

Jazz Review review by Glenn Astarita

cf-1332Darren Johnston – The Edge Of The Forest (CF 133)
While earning his Master’s degree at Mills College in Oakland, CA., trumpeter Darren Johnston studied under guitarist, improvising great Fred Frith and bassist extraordinaire Joelle Leandre.  Yet, his studies and absorptions of jazz-related music encompass a broad plane of ideas and applications.  And after listening to this superb album, it is easy to discern that the artist breathes a nouveau mindset into the jazz vernacular, to augment his enviable technical acumen.

Johnston leads a sextet that covers innumerable angles and dishes out an abundance of striking contrasts.  With hefty injections of counterpoint amid European hued folk foundations and hardcore progressive jazz implementations, the leader imparts a commanding presence throughout.  He affords his band generous soloing opportunities to complement sequences of circular themes and blustery breakouts.

On the piece titled “Foggy,” Johnston abets a thrusting mélange of motifs, interspersed with Rob Reich’s buoyant accordion lines, as drummer Smith Dobson V proceeds to tear it all up. Otherwise, Johnston is a fluent soloist who possesses a brazen tone to coincide various works that are engineered atop North African modalities and pumping rhythmic exercises. 

Several movements feature tenor saxophonist Sheldon Brown’s ascending choruses that spark multicolored overtones in concert with the ensemble’s pop, sizzle and tightly-focused group based sound.  Other works are devised on melodically pronounced free-bop jaunts and knotty pulses.  But the septet’s precision oriented outlook is occasionally tempered with a loose vibe. 

Sure enough, Johnston is onto something here.  It’s an emotionally charged program, peppered with unanticipated storylines and a seamless fusion of disparate underpinnings.  Johnston triumphantly fuses a cerebral outlook that yields an entertaining outcome.

All About Jazz review by Troy Collins

cf-136Michael Blake / Kresten Osgood – Control This (CF 136)
Interstellar Space (Impulse!, 1965), John Coltrane’s raucous tenor sax duo album with drummer Rashied Ali, is widely considered the pinnacle achievement of such instrumental pairings. Its blistering intensity continues to haunt similar efforts, yet there are a few intrepid souls who have opted for a more subtle, dynamic approach—one which favors conversational interplay over kinetic fury.

New York-based saxophonist Michael Blake and Danish drummer Kresten Osgood are two such explorers. Longstanding collaborators, they served as sidemen to organist Lonnie Smith and toured in Blake’s freewheeling Blake Tartare ensemble. Over the years they have developed a deep-seated rapport, lending the congenial free improvisations featured on Control This (their first recording as a duo) an implied sense of structure often lacking in similar efforts.

A lyrical stylist, Blake alternates between tenor and soprano throughout the session and makes his recorded debut on alto. He bolsters his tuneful theme and variation-based excursions with avant-garde flourishes, amplifying mellifluous refrains with vociferous outbursts. Alternating between serene balladry, thorny angularity and multiphonic experimentation, he delves into each aspect with palpable enthusiasm.

Melodically versatile, Osgood mimics bass lines with contagious kick drum and floor tom beats, and provides harmonic accents with scintillating cymbal work. Modulating gracefully through tempos and meters, he fluctuates between old school swing, gritty funk, lilting calypso and roiling tribal vamps (among other styles) with ease, often alternating modes in the same tune.

The duo’s empathetic interplay borders on the clairvoyant, but nowhere is it clearer than on their gorgeous interpretation of Ellington’s “Creole Love Call.” Control This was recorded live in the studio, yet this piece features an overdubbed horn section on the head melody that enriches the tune’s soulful opulence. Drawing inspiration from the plangent theme, they deconstruct the underlying beauty of the tune in a visceral central improvisation, showcasing their interpretive abilities while demonstrating the timeless viability of standards.

Vibrant, jovial and filled with affable communication, Control This is a sterling example of the endless possibilities of the duo format.

Jazz’N’More review by Jürg Solothurnmann

cf079ANTHONY BRAXTON / JOE FONDA – „Duets 1995“ (CF 079)
Note: 4
Diese CD ist eine Wiederveröffentlichung einer beim deutschen Label Konnex erschienenen CD. Anthony Braxton hat schon verschiedene Duetts mit Bassisten aufgenommen, beispielsweise mit Mario Pavone und Peter Niklas Wilson. Mit Joe Fonda, der ebenfalls in Neuengland lebt, spielt Braxton schon seit den 80er Jahren immer wieder. Der stark unterbewertete Bassist und Komponist ist vielleicht am besten bekannt von seinen Gruppen mit dem Pianisten Michael Jefry Stevens, in denen es häufig um allerlei Brückenschläge zwischen modernem Mainstream und Free Jazz/Free Music geht. Dies kommt der CD zustatten. Am Anfang und am Schluss stehen die Standards „All Of You“ und „Autumn in New York“. Braxtons Spielweise als Altist ist zwar stark von der Tradition (Benny Carter, Cool-Saxophonisten) beeinflusst, aber die Bebop-Stilistik hat er nie gemeistert – weder die Artikulierung noch die form- und akkordbezogene Improvisation. Diese seltsame Vorliebe irritiert darum. Doch mit allerlei Wassern gewaschen, versteht es der voluminös klingende und temposichere Fonda glänzend, die wackeligen Momente aufzufangen. – Ueberzeugender sind die anderen sechs Tracks, je drei Eigenkompositionen. In Fondas Stücken werden Themen frei weiter gesponnen, wobei Braxton Gebrauch macht von seinen differenzierten „sound languages“ und „rhythm languages“. Seine eigenen unisono exponierten Kompositionen verwerten improvisatorisch isolierte Teilaspekte, was eine kohärente Wirkung erzeugt. Jedes Stück hat einen anderen Fokus. “Composition 168 (+147)” kontrastiert bedeutsame Stille mit heftigen Ausbrüchen. In “Composition 173” wird mit Power linear gespielt, wobei Braxtons spezielle rhythmische Phrasierung besonders zur Geltung kommt. Und die “Composition 136” erforscht Varianten der Intonation und mit weiten Sprüngen zwischen extremen Tonbereichen.

Jazz’N’More review by Jürg Solothurnmann

cf094DENNIS GONZALEZ NY QUARTET – Dance of the Soothsayer (Live at Tonic) (CF 094)
Note: 4
Dennis Gonzalez, der in Dallas lebende Trompeter, bildende Künstler, Linguist und Schriftsteller, blieb lange ein Geheimtip (und nur zu finden auf den schwer erhältlichen Labels DAAGNIM, Silkheart und Konnex) – bis er in New York mit dortigen Musikern eine Filiale eröffnete. Gonzalez Spezialität ist die Verschmelzung von Latin Music mit Postbop und panmodalem Free Jazz. Der erste Track zeigt ihn quasi solo als sparsamen Verwerter ganz weniger melodischer Ideen. Dann wird die Groove-Maschine Helias-Thompson angeworfen und die Melodie begibt sich auf eine lange assoziativ-frei entwickelte Spritzfahrt, gefolgt von einem spannenden Pizzicato-Solo von Helias und von Eskelin, der sich hauchend ins Geschehen einschleicht. Mit einem fetten Ton der an Coleman Hawkins erinnert, aber melodisch und rhythmisch frei engagiert er danach Bass und Schlagzeug zu eng verzahnten Interaktionen. Da wird wirklich zusammen gespielt und kommuniziert. Sehr musikalisch ist auch der Beitrag des Schlagzeugers Thompson, der auf den Trommelfellen geradezu spricht (Dance of the Soothsayer’s Tongue) bevor volltönend und gesanglich Gonzalez einsteigt und mit „free latin music“ zum Hüftewackeln animiert. Der Szenenreichtum der Quartettmusik kommt später nochmals besonders in der fünfteiligen „Afrikanu Suite“ zur Geltung. Das Ganze hat etwas Lustvolles und viel Wärme und ist geeignet, auch Skeptiker für frei erfundenen Jazz zu gewinnen.

Jazz’N’More review by Jürg Solothurnmann

cf098mi3 – Free Advice (CF 098)
Note: 4
In eine ähnliche Richtung geht und im selben Umfeld der Bostoner Free Szene bewegt sich der in den 80er Jahren eingewanderte Grieche Karayorgis. Der Pianist studierte am New England Conservatory bei Paul Bley und Dave Holland und publizierte seine CDs bisher meistens bei Leo Records. Auch sein eingefuchstes Trio improvisiert vor allem mit Themen des Leaders, aber in maskierter, abstrahierter Manier auch mit Jazzthemen – diesmal von Ellington, Sun Ra und dem kaum bekannten Bebop-Pianisten Hasaan Ibn Ali. Karayorgis verschmäht Harmonien nicht ganz und liebt auch eng gesetzte Blockakkorde, die zu Clustern werden können. Ellington ist denn auch herauszuhören, nebst Verwandtschaften zu Monk, Tristano und dem frühen Cecil Taylor. Die Bezüge zu den historischen Einflüssen sind hier deutlicher herauszuhören, und oft ist das Aufblicken zu den Autoritäten auch ganz bewusst, z.B. in „Fink Sink Tink“ (die Trioaufnahmen von Ellington, Monk und Mingus). Kommt dazu, dass Nate McBrides in ähnlicher Manier in die Saiten greift wie weiland Mingus.  Insgesamt eine interessante Aufnahme zwischen Free Bop und freier Improvisation, aber weniger kohärent als jene Lantners.

Jazz’N’More review by Jürg Solothurnmann


Note: 4


MICHAEL DESSEN TRIO – Between Shadow and Space (CF 106)
Note: 5
Auch die amerikanische Szene gebärt ständig neue Musiker. Der aus Denver/ Colorado stammende Knuffke. Bevor der Trompeter 2005 den Sprung nach New York wagte, studierte er bei Art Lande, Ron Miles, Hugh Ragin und Wynton Marsalis. Mit seiner aktuellen Musik beruft er sich auch auf  Butch Morris, Steve Lacy und Ornette Coleman. Man könnte die Umsetzung seiner meistens konventionell groovenden Stücke als heutigen Freebop bezeichnen, der einer Linie folgt, die mit dem „George Russell Sextet“ in den späten 50er Jahren beginnt und über Don Cherrys Suiten und das AEOC, aber auch Europäern wie z.B. Manfred Schoof weiterführt. Die gehaltvollen zwölf Themen, das Niveau der häufig kollektiven Improvisationen und die robuste Kompaktheit seines Quartetts sind beachtlich. Der Form Thema-Soli-Thema wird kaum angetastet, und an stärkere Reize gewöhnte Ohren wird’s kaum stören, dass hier pantonal improvisiert wird. Die symbiotischen Interaktionen mit dem Posaunisten Dessen erweitern sich manchmal auch zu freien Soundgesprächen. Eine gemässigt moderne, aber integre Musik, die verschiedenste alte und neuere Quellen verdaut.

 Verschiedenste Quellen wie Malerei, Konzeptkunst, Weltliteratur (Neruda) und Biologie inspirierten die Kreationen des Südkaliforniers Dessen, ein Komponist und Experimentalmusiker, der die Posaune gesanglich-elegant und unkonventionell verwendet und von den Kollegen „kompositorisches Mitdenken“ verlangt. Darum ergeben sich mit der „Rhythmusgruppe“ wesentlich abwechslungsreichere und enger verzahnte Interaktionen und ein starker innerer Zusammenhang von Thema/Initialidee und improvisatorischer Verwertung, wobei der vielgefragte Sorey (George Lewis, Vijay Iyer, Anthony Davis usw.) hervorzuheben ist. Die subtile Farbgebung der Perkussion und das teilweise sparsame, andeutende Spiel wird gekonnt erweitert durch die manchmal vom Computer umgeformten Posaunenklänge. Bemerkenswert ist die Bestimmtheit des Bassisten, die auch einfach Gesten bedeutsam macht. Bei aller Avanciertheit eine gut durchhörbare Musik.

Jazz’N’More review by Jürg Solothurnmann

cf0971STEVE LEHMAN QUARTET – Manyfold (CF 097)
Note: 4
Die Arbeit von offenen Pädagogen wie Anthony Braxtons an der Weslyan University beginnt Früchte zu bringen: Der 28jährige Saxophonist Steve Lehman ist ein ehemaliger Student von Jackie McLean und Braxton. Erstmals ist Lehman aufgefallen im Trio “Fieldworks” (PI Recordings) des indisch-amerikanischen Pianisten Vijay Iyer sowie mit Musikern aus dem Umfeld der New Yorker M-BASE. Damit ist schon einiges gesagt. Die komplexe Erweiterung des gängigen Funk mit asymmetrischer Polyrhythmik und mit Wechselmetren und der akrobatische Ausbau der Melodik sind zentrale Spezialitäten dieses Kreises. „Manyfold“ ist eine technisch nicht perfekte aber dafür spritzige Live-Aufnahme beim letztjährigen internationalen Festival in Coimbra, Portugal. Lehman’s Quartett enthält den ebenfalls viel versprechenden schwarzen Trompeten-Debutanten Jonathan Finlayson (mit Anklängen an Booker Lyttle) und die zwei älteren erfahrenen Musiker John Hebert und Nasheet Waits, dr. Absolut zutreffend heisst die CD “Manifold”. Mit einer Widmung für Evan Parker und quirligen Themen, deren turbulente Staccato-Strukturen Braxtons und Roscoe Mitchells (?) Einfluss verraten, bekennt Lehman Farbe. In seinen „Interfaces“ legt er zwei oder mehr unabhängige Tonlinien übereinander. Eine interessante Verbindung von mathematisch Ausgeklügeltem mit Temperament. Ruhigere Kontrapunkte setzen der abgewandelte tonale Postbop mit weiten Intervallen von Andrew Hill’s „Dusk“ und Finlaysons balladeske „Berceuse“.

Jazz’N’More review by Jürg Solothurnmann

cf-1142Mauger – The Beautiful Enabler (CF 114)
Note: 5
1978 mit südindischen Eltern in Trieste geboren, aufgewachsen in Colorado, ausgebildet in Boston und Chicago und jetzt aktiv in New York, das sind die bisherigen Stationen des „rising star“ Mahanthappa. Der Altsaxophonist tut sich hier mit zwei älteren, prominenten Kollegen zusammen, wie er zwei Spezialisten des Zwischenbereichs von avancierter Komposition und freier Improvisation, die sich von früheren langen Kollaborationen, z.B. mit Braxton, in- und auswendig kennen. Sechs eigene Themen werden panmodal weiterentwickelt, aber wie im siebten steht die spontane Erfindung im Vordergrund, getragen von engen Interaktionen. Dabei entwickelt Dresser, ein ausserordentlich initiativer, musikalischer Bassist, gleich viel Initiative wie seine Kollegen, wobei ihm auch sein grosses technisches Repertoire – gestrichen und gezupft – zustatten kommt. Der wundervolle Möglichmacher und „Befähiger“ ist er selbst. Der hochmusikalische Hemingway kann sich wie ein klassischer Perkussionist zurücknehmen, aber auch sehr bestimmt eingreifen. Mahanthappa wird jederzeit getragen, „singt“ oft ähnlich wie Oliver Lake, agiert mit grösserer Lockerheit als auf anderen CDs und konzentriert sich auf ganz verschiedene Aspekte von Klangfarbe, Melodik, Rhythmus und Artikulation. Die Chemie stimmt und die Ideen fliessen mit bemerkenswerter Selbstverständlichkeit auf hohem Niveau. Eine inspirierte Session, die Lust macht auf mehr.