Daily Archives: May 4, 2010

All About Jazz review by Troy Collins

Lawnmower – West (CF 178)
Drummer Luther Gray explains in the brief liner notes to West, the debut of his ensemble Lawnmower, that the album is an attempt to reconcile the various genres he has worked in throughout his musical development. From his early days spent in punk bands like Tsunami, to his jazz-oriented work as a sideman with fellow Bostonians Jim Hobbs, Joe Morris and Steve Lantner, Gray has built a diverse discography founded on one common denominator—quality.

This session encapsulates Gray’s wide-reaching interests with the assistance of three empathetic peers. Criminally under-sung, saxophonist Jim Hobbs is one of the most creative and visceral jazz stylists working on alto today, while electric guitarists Geoff Farina and Dan Littleton invoke the sonic diversity of the indie rock scene. Farina’s experiences in post-punk bands Karate, Gloryteller and Secret Stars meshes well with Littleton’s more folk oriented approach, previously heard in bands like Ida and The Hated.

This date is a continuation of sorts to the work heard on New Salt (Xeng, 2005), which featured the same line-up sans Hobbs. Gray’s nuanced drive and elastic timing provide the quartet with a surfeit of textural and tonal stimuli. Hobbs’ expressive alto soars above the kaleidoscopic underpinning provided by Farina and Littleton, as the guitarists trade ideas and motifs with a languid, majestic intensity. The modal drones of Farina and Littleton’s guitars are a prevailing force throughout the session, veering from the spare pointillism of “Dan” to the harsh electronic gales that dominate the last half of “Two.” The over-arching concept fuses introspective, feedback laden guitar rock with the raw, freewheeling impetuousness of free jazz.

Jazz is widely perceived as an urban art form, and often, rightly so. But the spacious, unhurried dynamics Gray and company offer on West evokes the bucolic vistas of open sky territory more than the bustling fervor of a metropolis. The dramatically ascending “One” and the ethereal ballads “Prayers of Death” and “I Love” are steeped in Americana, as Farina and Littleton’s reverb drenched guitars ply countrified twang for Hobbs and Gray to embellish, deconstruct and collectively reinvent. “Glass” favors a more exotic patina, as the guitarists’ ringing arpeggios weave a dreamy mosaic of Eastern tonalities around Hobbs’ vocalized alto, while the appropriately titled “Giant Squid” conveys menace with a spasmodic thicket of coiled dissonances.

A pitch-perfect merger of jazz and rock, the conversational interplay between the members of the quartet espouses the finer aspects of improvisation, delivered in the instrumental tone colors of contemporary rock music. There have been many similar efforts over the years, but few quite as successful as West.
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=36335

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All About Jazz review by Tom Greenland

RED Trio – RED Trio (CF 168 )
Although more associated in popular imagination with the longing, saudade-laden sound of fado, Portugal has long supported jazz, boasting Europe’s oldest jazz club, Lisbon’s Hot Clube de Portugal, important festivals and an active free improv scene. From Clean Feed, the Lisbon-based label with a stable of Portuguese (and other) creative musicians, comes RED Trio, with Rodrigo Pinheiro (piano), Hernani Faustino (bass) and Gabriel Ferrandini (drums/percussion), a non-hierarchical, piano-’led’ trio that, like the combos of Bill Evans or Paul Bley, grants equal airtime to each participant. One of the factors contributing to this effect is the closely matching tones and timbres of each instrument: Pinheiro’s prepared piano – emitting hammered, muted, scraped and bowed notes – is sometimes difficult to distinguish from Faustino’s high-pitched harmonics or Ferrandini’s scratchy cymbals and buzzing gongs. When all three take out their bows, as during the middle section of “Quick Sand”, the album’s epic centerpiece, the damped, metallic tones blend together seamlessly, like a factory full of flywheels, dynamos and random generators, each rotating at its own speed. In contrast, “Burning Light” comes on like a blast of cold thin air rushing into a rapidly depressurizing airplane cabin for 62 seconds of insanity.

Kwadratuur review by Joachim Ceulemans

Sei Miguel- Esfíngico (CF 170)
De oprichters van het Portugese Clean Feed records hadden oorspronkelijk een missie: het promoten van hedendaagse Portugese jazzmusici in de rest van de wereld. Ondertussen lijkt deze doelstelling al wat naar de achtergrond verdwenen, want op het label verschijnen om de haverklap nieuwe releases van Amerikaanse en Europese muzikanten zoals Marty Ehrlich, Tony Malaby, Joe Morris, Herb Robertson, Jorrit Dijkstra en Michael Attias. Toch is er nog steeds plaats voor zuiver Portugese producties, maar deze komen logischerwijs wat minder onder de aandacht in vergelijking met bijvoorbeeld de grotere Amerikaanse namen. ‘Esfíngico’ van trompettist Sei Miguel is zo’n album en zal door het karakter van de muziek ook niet meteen hoge toppen scheren in de populariteitspolls.

Als we Pedro Costa van Clean Feed mogen geloven, is Sei Miguel zowat de meest ondergewaardeerde en misbegrepen trompettist van zijn generatie, zelfs in eigen land. Zijn hoogst persoonlijk invulling van de begrippen jazz en improvisatie zullen daar niet weinig mee te maken hebben. Wat Miguel op ‘Esfíngico’ laat horen is namelijk van een onwaarschijnlijk ontoegankelijk kaliber. De vijf betrokken muzikanten operen op geen enkel moment als een ensemble, toch niet in de zin van een conventioneel jazzkwintet. Er is wel interactie, maar dan niet op ritmisch, harmonisch of melodisch vlak. Het is bovendien absoluut onduidelijk of er gecomponeerde inhoud aan te pas komt, want de vrijblijvende indruk die de muziek opwekt neigt wel heel hard naar improvisatie.

Het is dan ook moeilijk om deze muziek te beschrijven, laat staan hem te vatten. Er zijn geluiden van percussie-instrumenten te horen die totaal ritmeloos en met veel pauzes worden aangeslagen. Uit een basgitaar ontsnappen zeldzame, gedempte noten en in de achtergrond worden kleine wolkjes diffuse elektronica uitgestoten. Enkel Sei Miguel en tromboniste Fala Mariam zorgen voor toevoegingen die meesten als muzikaal zullen bestempelen. Vooral de trompet van Miguel manifesteert zich op die manier, hoewel zijn solopartijen eveneens gekenmerkt worden door een droge soberheid. Meestal zijn er twee muzikanten aan het woord, maar niet zelden weerklinken er slechts enkele doffe kloppen. De musici creëren opvallend veel ruimte door het inlassen van pauzes en stiltes, wat een bevreemdend effect oproept bij de eenzame percussie, die op die manier gelijkenissen oproept met een kloppend raam in de wind.

De trompettist laat zich op ‘Esfíngico’ bijstaan door enkele topfiguren uit de Portugese experimentele en improvisatiemuziek zoals Fala Mariam en elektronicaknutselaar Rafael Toral. Ze werken al twintig jaar nauw samen binnen het hermetische Portugese circuit en blijken op die manier een heel eigen muzikale interactietaal te hebben ontwikkeld, waarin toeval ongetwijfeld een rol speelt. Aan op- en afbouwen heeft dit gezelschap geen boodschap want ze laten de muziek onophoudelijk voortpruttelen op een laag vuurtje, waarbij steeds weer andere aspecten van hun klankwereld komen bovendrijven.

Het is absoluut intrigerend hoe deze bijna non-muziek toch kan blijven boeien en de tijd bij beluistering werkelijk voorbij vliegt. Maar zo zal zeker niet iedereen erover denken want Sei Miguel haalt alle muzikale zekerheden zonder pardon onderuit.
http://www.kwadratuur.be/cdbesprekingen/detail/sei_miguel_-_esfingico

Musicboom review by Vittorio LoConte

Daniel Levin Trio – Fuhuffah (CF 129)
Incisioni come questa del violoncellista Daniel Levin sono una sorpresa per il jazz contemporaneo. Non tanto per il genere, perchè ormai il free non lo è più, ma per il coraggio di mettere in piedi una formazione originale, che non ha precendenti e che subito incuriosisce a livello sonoro..

Potrebbe ricordare il Revolutionary Ensemble di Leroy Jenkins, con quegli intrecci di corde che prendono alla gola l´ascoltatore, quelle atmosfere in cui in classici strumenti della musica classica vengono ridefiniti nelle loro coordinate. La ritmica di Levin è un´altra, al contrabbasso c´è Ingebrit Håker Flaten, ma residente in Texas, ed il batterista è l´afroamericano Gerald Cleaver, non solo come persone, ma anche come impostazione, come tipo di approccio a dei brani in cui il leader cambia continuamente il suono dello strumento, usato sia con l´archetto che con il pizzicato.

È spesso un corpo a corpo dei due strumenti ad arco, un modo di rinnovare il rapporto fra questi due strumenti, che spesso si avvolgono in linee che esprimono energia allo stato puro, lontani da estetismi, classicismi, completamenti presi da un incontro in cui il contatto suona quasi fisico. E dietro loro i ritmi di Cleaver, un altro elemento indispensabile nel modo in cui il trio si presenta, con le sue folate sui piatti, i suoi tamburi che non cessano mai di contribuire all´evento.

Senza compromessi, evitando ogni routine i tre ci intrattengono con le loro improvvisazioni fino al finale “Wiggle” dedicato a Jimmy Lyons, uno delle figure principali dle movimento free, in cui si crea una atmosfera simile a quelle che ha lasciato nelle sue indimenticabili incisioni (da non dimenticare quelle su Black Saint!).
http://www.musicboom.it/mostra_recensioni.php?Unico=20100503054818

El Intruso review by Sergio Piccirilli

Kirk Knuffke – Amnesia Brown (CF 167)
El trompetista Kirk Knuffke ha desplegado, en los últimos años, una prolífica actividad en la nueva escena del jazz expresada simultáneamente en colaboraciones con Butch Morris y la Nublu Orchestra, la Jeff Davis Band, el Matt Wilson Quartet, la Kenny Wollesen Wollesonic, la Brian Drye’s Bizingas y el Josh Roseman’s Extended Constellations, entre otros. En tiempos recientes actuó y grabó con algunas de las figuras punteras de la vanguardia como John Zorn, Steven Bernstein, Tony Malaby, Dave Douglas y Sonny Simmons.
Kirk Knuffke es, además, uno de los vértices del notable Ideal Bread, comparte créditos con el trombonista Brian Drye en el Knuffke Drye Duo, se asoció al pianista Jesse Stacken en Mockingbird y lidera ensambles en formatos que van del trío al sexteto. Su debut discográfico solista tuvo lugar en 2008 con el elogiado Big Wig, álbum en el que sentó las bases de una propuesta que integraba un amplio arco de influencias que involucran a Steve Lacy, Lester Bowie, Chet Baker, Booker Little y Pee Wee Ellis. Esa amplitud de intereses que oscilan entre el straight-ahead y la libre improvisación también está contenida en una sólida formación musical que incluye estudios con Ornette Coleman, Art Lande y Ron Miles.
Esos valiosos y vitales antecedentes que respaldan la trayectoria de Knuffke se traducen ahora en su álbum consagratorio: Amnesia Brown.

Este nuevo proyecto testimonia una inferencia de conceptos musicales tan sólidos como inclasificables en donde logra enhebrar un relato tan riguroso en su construcción técnica como de indisimulable frescura expositiva.
Knuffke, a través de piezas breves que rondan los tres minutos de duración cada una, edifica con astucia un microcosmos sonoro pleno de energía emotiva signado por la inteligencia, el divertimento y la agudeza. La claridad de sus fundamentos estéticos permite que convivan en un mismo espacio la tradición del jazz y la new thing, sonoridades asociadas al downtown neoyorquino y principios emanados de la AACM, la balada romántica y la disonancia, la desnudez del folk y el arcaísmo del blues, la austeridad de la música de cámara y la estridencia futurista del post-rock. Esa orientación, de apariencia inconexa, está encapsulada en un robusto alegato que entrelaza con naturalidad dulces lineas melódicas y abrasivos arrestos armónicos, permite la connivencia de la partitura y la improvisación, faculta de síntesis a una plástica multidireccional y consiente desde la óptica de la miniatura orgánica un desarrollo exponencial de la imaginación.

La imaginación es algo que, probablemente, Kirk Knuffke heredó de sus ancestros. Al menos eso es lo que podemos colegir del irónico título de su nuevo álbum ya que Amnesia Brown es el apelativo otorgado a su bisabuelo quien, en un alarde de imaginación, abandonó a su progenie aduciendo amnesia para luego adoptar el apellido Brown y formar otra familia en una ciudad vecina. Algo así como una laguna mental pero de dimensiones oceánicas.
La amnesia es una afección de la memoria que consiste en la imposibilidad de recuperar información almacenada con anterioridad. La amnesia… esteee… ¡pucha! Me olvidé lo que iba a decir. Bueno, mientras logro recordarlo aprovecho para mencionar que uno de los pilares del psicoanálisis es la teoría del olvido motivado o represión, en cuyos postulados Sigmund Freud conjeturó que algunas experiencias se olvidan porque resultan amenazantes y por consiguiente son reprimidas y confinadas al inconsciente. No obstante, aun cuando se muestran inaccesibles para la conciencia, sus huellas no desaparecen ni son borradas, lo cual permite su reconstrucción parcial o total mediante la labor terapéutica y… ¡me acordé! La amnesia es un deterioro de la memoria que se manifiesta en olvido de nombres o hechos recientes. Por ejemplo, sería como si en este momento no recordáramos que estamos hablando del último álbum de… de… La amnesia también se expresa en la reiteratividad o repetición de frases y no quiero dejar de mencionar que además la amnesia también se expresa en la reiteratividad o repetición de frases. Las causas más comunes del deterioro de la memoria, entre otras, son el envejecimiento, una lesión o trauma craneal, la ingesta excesiva de bebidas alcohólicas y la intoxicación por monóxido de carbono.
Al respecto, estoy en condiciones de asegurar que la causa de mis olvidos no obedece ni a una intoxicación por monóxido de carbono, ni a…
Ni a una intoxicación por monóxido de carbono. Punto.

Acabo de recordar que quería hablarle del nuevo álbum de Kirk Knuffke, Amnesia Brown, título que según parece está inspirado en su bisabuelo… qué… ¿ya lo sabe?
No tenemos tiempo ni conocimientos suficientes para ahondar en los motivos que llevaron a Knuffke a ubicar su álbum en el marco referencial de la bizarra historia de su bisabuelo, pero sí estamos en condiciones de afirmar que eso ofició como musa inspiradora para erigir una obra atrapante, original y de deliciosa amenidad.

How it Goes es un auténtico paradigma de las cualidades armónicas en la que se funda Amnesia Brown: la concisión de la partitura, el relajado encadenamiento de espaciosas texturas, la naturalidad en los cambios rítmicos, el luminoso enunciado de la melodía y un nivel de improvisación dotado de un infrecuente poder de síntesis.
Kirk Knuffke, partiendo de una exigua paleta sonora, logra representar climas en contraste, reproducir orientaciones diversas y explorar un ideario multiforme. La economía de recursos aplicada en el alegato de su trompeta se potencia a través de la versatilidad de la batería de Kenny Wollesen y el invalorable aporte de Doug Wieselman quien, en un sorprendente doble rol, aporta sutileza y lirismo con su clarinete y dispara turbulentas armonías desde la guitarra eléctrica. Double actúa como epítome de esos principios. La trompeta inicia una lenta marcha desde los orígenes del jazz, estratégicamente interceptado por los agitados acordes de una guitarra proveniente de las fronteras del post-rock mientras la batería interactúa y unifica ambos mundos sonoros. Level ofrece un cabal dominio del proceso de tensión-relajación y un notable ejercicio contrapuntístico. En tanto que el tema que da título al álbum simboliza una mirada lúdica y naif de la libre improvisación.

2nd es una prueba viva de que se puede ser diferente sin convertirse en extravagante. La trompeta de Knuffke con anclaje en la tradición del jazz, los ascéticos acentos de la batería de Wollesen y la espacial y fragmentaria guitarra de Wieselman se funden en una convincente plástica asociada al nuevo milenio.
La breve y explosiva Red Bag está gobernada por los principios de la improvisación pero propiciando un belicoso efecto auditivo, en donde la línea melódica que dispara la trompeta lucha por imponerse a los alienados acordes de la guitarra mientras la batería desdobla los tempos haciendo las veces de mediador.
El adictivo Leadbelly abreva en las fuentes del blues y el folk para rendir pleitesía (y no sólo desde su titulo) al legendario compositor y guitarrista estadounidense Huddle Wlliam Ledbetter, más conocido como Leadbelly.
Practical Sampling se cobija en un relajado unísono entre la trompeta y el clarinete subrayado a contratiempo por la batería. De ese empaque armónico emerge un diáfano e incontaminado solo de Knuffke y la detallada exposición de Wieselman para, finalmente, retornar al unísono de apertura. En el maníaco clima de Hears It, la complejidad expresiva elude todo vestigio de oscuridad y la libertad instrumental nunca se aleja del distintivo nivel de resumen dialéctico que identifica al álbum.

En Totem, un melancólico fraseo en trompeta, los sutiles acentos en guitarra y una batería subterránea mutan lentamente hasta transformarse en un manifiesto de modernidad que enlaza al avant-rock y el jazz de vanguardia.
Need ratifica, sin venerar, la ligazón de Knuffke con la tradición, en tanto que Fix It Charlie, en otro juego de humores contrapuestos, coquetea con el punk-jazz mientras la trompeta filtra frases de My Heart Belongs to Daddy de Cole Porter.
High-pants Bob luce despojada de ornamentaciones superfluas y sirve de excusa para un solo de batería que privilegia los coloridos matices al desborde ególatra, en tanto que Narrative está gobernada por cadencias de austeridad minimalista y una melodía cuasi pastoral. Luego, sin perder identidad ni cohesión estilística, abordan el paranoico post-rock de Please Help Please Give para finalmente cerrar el álbum con la economía descriptiva de la balada folk, Anne.

Kirk Knuffke, en Amnesia Brown, aunque suene contradictorio, no sufre de ningún tipo de amnesia. El pasado no sólo esta presente aquí como una fuente de inspiración sino también como firme disposición a confrontar la cambiante dinámica del futuro.
http://www.elintruso.com/article.php?id=1833

Culture Jazz review by Yves Dorison

Samuel BLASER – Pieces of Old Sky (CF 151)
Le ciel est bleu, le ciel est vieux. Les morceaux que propose le quartet de Samuel Blaser nous sont-ils tombés sur la tête ? Nous posons la question car nous les sentons rampants dans les affres de la désaffection, sombrement construits autour d’une somme d’altérités sonores où s’entrecroisent des réminiscences mélodiques anciennes. Est-ce un monde insondable ? Pressentie plus qu’abordée, la confiance qu’on lui désaccorde est limitée tant il semble né pour nous cerner. Et nous, offert à la tentation du discernement, nous l’écoutons fuir, comme un qui perd un peu de lui-même, à chaque pas, sur un chemin d’angoisse.

Samuel Blaser 4tetPieces of old skyLe trombone de Samuel Blaser genère des souffles sépulcraux. Autour de lui, les inspirations harmoniques des autres musiciens absorbent les silences, les transforment en erratiques nuées d’où sourdent quelques tonalités marquées par l’urgence d’un jaillissement qui aimerait être libérateur. Le paysage musical est baigné d’urbanisme blafard, de mysticisme ambigu, de murs suintants et graisseux, de vaines et soudaines excitations dans des ruelles livrées à elles-mêmes avant que le jour ne se relève. Le trombone, encore, qui nous appelle par volutes mineures, nous colle à l’oreille un frissonnement poignant, de ces frissonnements qui raclent l’esprit des os. Un univers interlope nous entrouve des paysages en nue propriété. Ils nous laissent songeur, le cul sur un talus. A-t-on bien entendu ? It ain’t necessarily so semble dire le choral final.
http://culturejazz2.free.fr/spip.php?article1417

Le Son du Grisli review by Luc Bouquet

Jason Stein’s Locksmith Isidore – Three Less Than Between (CF 153)
Pointe déjà dans cet enregistrement chicagoan de mai 2008 ce qui se confirmera quatre mois plus tard avec In Exchange for a Process et qui pourrait se résumer en une seule phrase, lourde de sens et de mémoire : dejarme solo ! Soit un corps perdu et souvent sans repères implorant l’ivresse des solitudes.

Dans Protection and Provocation, acte fort d’un salivaire énervé et rageur, la clarinette basse de Jason Stein trouve, sans élan, le vif chemin des convulsions extrêmes. Quelques minutes plus tard, la voici seule, à nouveau, avec l’étrange Stevenesque, thème à transformations multiples. Fausse ballade au souffle microtonal appuyé, le jeu consiste ici à se perdre et à ne plus se retrouver. C’est visiblement cette voie que cherche le clarinettiste tout au long de ce disque. Entre stridences, graves caverneux, ruptures en pleine-teinte, affolements d’anches, il peut compter sur Jason Roebke et Mike Pride pour alimenter cette recherche d’indépendance et de liberté. Ainsi d’une forme à l’autre, d’un souffle vorace à un filet de son à peine audible, Locksmith Isidore se démarque et s’extirpe radicalement d’une scène chicagoane si prometteuse hier, bien décevante aujourd’hui.
http://grisli.canalblog.com/archives/2010/04/29/17728478.html