Daily Archives: March 1, 2012

Musicworks review by Stuart Broomer

Kris Davis – Aeriol Piano Clean Feed (CF 233)
Kris Davis is a Calgary-born pianist who has followed a path from the University of Toronto to the Banff Centre, eventually to settle in New York in 2001. There she has gradually established herself as a musician who happily resides in the special terrain that has arisen between free jazz and improvised music, working regularly with a distinguished set of associates that includes the saxophonists Tony Malaby and Ingrid Laubrock and the guitarist Mary Halvorsen in an ever-changing array of groups. Aeriol Piano, her first CD as a solo pianist, is a multi-faceted exposition of her largely improvisatory work, with an approach to the keyboard that can suggest an analytical machine gun or sharp feathers. The CD opens with familiar jazz terrain, Jerome Kern’s “All the Things You Are,” but the piece begins in percussive near-serial abstraction, its melody only emerging at the conclusion. Saturn Returns, a suite-like foray into prepared piano, follows, filled with a microscopic attention to shifts in rhythm and pitch. A Different Kind of Sleep floats in Feldman-like space; Good Citizen at once suggests blues and the Second Viennese School; Beam the Eyes is a chromatic locomotive.  For all that variety, it’s Davis’s constant invention and precision that give this CD its special character.

Gapplegate Music review by Grego Edwards

Baloni, “Fremdenzimmer:” Trio Improvisations in an Abstract Mode

Baloni – Fremdenzimmer(CF 237)
Some improvisational music today, especially that coming out of Europe, has roots more in “new music” than it does in Bird or Bud. There is a distinct enough sub-genre there that Bob Rusch has dubbed the entire overarching musical category “creative improvised music.” It’s another aspect of the debate on the use of the term “jazz” and I personally can’t say that there is an easy answer to any of it–other than to say that if you remove the identity politics element, there is a continuum between modern jazz on one end and new music on the other, with rock and electronic influences in the middle. This is just so. Let us give credit to those who deserve it and reserve condemning any of it if it doesn’t fit in with the ends or middle of the spectrum. The debate may be an assertion of identity in times when almost nobody playing undiluted improvisational music is financially solvent unless they teach, at least over here in North America. I think that’s the principal defining impetus behind everything. Now I could be wrong but what matters to me is music first of all. The rest is always a huge factor in social life but not on the musical level in some ultimate sense.

So today we have a trio called Baloni who falls most definitely into the new music side of the spectrum. They play an abstract sort of chamber trio music that flows nicely, has musical high points and engages fully the creative ideas of each of the players.

The album at hand is Fremdenzimmer (Clean Feed 237). Baloni is Joachim Badenhorst on bass clarinet, clarinet and tenor, Frantz Loriot on viola and Pascal Niggenkemper on doublebass. They play eleven improvisatory pieces, some longer than others, but all showing very good inventiveness in the realm of spontaneous form, with compositionally pre-planned ideas coming in at times as well, apparently.

It’s music that one who doesn’t know already what is being attempted will find puzzling. Those people need to be educated and our media (Statewise) has no doubt no intention of ever addressing the issue. It’s part of world culture, part of our culture! It’s something we should be proud to know. Not, as we’ve seen, according to barbaric money-changer media moguls that control most of the airwaves. A pity. A crime. No, they say we should be concerned with who is wearing what crazy gown at the Oscars. Even though not as many are going to the movies these days. Who actually saw the winning pictures at a theater? Well I suppose that shouldn’t matter. Nonetheless the same old pap prevails in our unregulated cultural mass-media lives. Stars have become much more important than what they actually do, if anything. Fabian and Tiny Tim should have given us a warning of what was coming? There are generations thriving now who never heard of either but nonetheless worship the latest equivalent of superficiality, the Tims and Fabians of 2012.

Do something about it. Listen carefully to this CD and other worthy examples in all the improvisational spectrums that prevail today. You’ll be supporting people directly. You’ll be all the richer in your cultural life!

Audio review by Ralf Dombrowski

Carlos Bica & Azul – Things About (CF 239)
Azul ist ein Trio der Farben. Jeder Musiker für sich steht für eine Ästhetik: Gitarrist Frank Möbus für dezent Avantgardeskes mit hintergründigem Witz, Kontrabassist Carlos Bica für großen, warmen Sound mit ausholender Raumbeherrschung, Schlagzeuger Jim Black für Polyrhythmik und extravagante Klangideen. Zusammen ergeben sie Azul und kreieren einen kammerjazzigen Erzählkosmos voller überraschender Nischen.

All About Jazz Italy review by Roberto Paviglianiti

Luís Lopes – Lisbon Berlin Trio (CF 234)
Valutazione: 3.5 stelle
È un territorio arido e pieno d’insidie quello coltivato da Luís Lopes, vertice alto del Lisbon Berlin trio, realtà completata dal contrabbassita Robert Landfermann e dal batterista Christian Lillinger. Perché i suoni prodotti nel loro album Lisbon Berlin Trio sono spesso dissonanti, taglienti, difficilmente masticabili da chi non ha denti di ascolto ben affilati. Niente melodie dunque, almeno per ciò che riguarda l’evidenza delle cose, mentre sotto la cenere di assoli visionari, come quello di Lopes nell’iniziale “Hang Out With,” si muove qualcosa in maniera compiuta e tangibile, costruita dalla sezione ritmica. Musica spesso frammentaria – in tal senso vedi le note staccate di “Mutant Free 1” – e slegata da qualsiasi definizione plausibile, se non quella della libertà formale estrema, e di una sequenza espressiva che difficilmente rimane ferma su se stessa anche all’interno della medesima traccia. L’album si mantiene in tensione per tutta le sua duranta, non molla mai la presa di uno sviluppo imprevedibile e spesso labirintico, come in “Mutant Free 2” uno dei passaggi più cervellotici della tracklist, in quanto ognuno dei protagonisti instaura con il proprio strumento un rapporto conflittuale e lontano da qualsiasi logica di gruppo.

È cosa buona munirsi di pazienza e della giusta voglia di cercare in profondità la valenza di questo lavoro, dedicato a chi ha il carattere adatto per incamminarsi in un’esperienza a ostacoli, concretamente difficile e insidiosa.

Jazz Podium Interview by Thorsten Meyer

Jazz Podium 3/2012 Interview

Carlos Bica – Streben nach Einfachheit
(„Denk nicht darüber nach, was die anderen davon halten, sondern mach es, wenn Du es für richtig hältst.“)

    „Was beim Hörer ankommt steht nicht auf dem Notenpapier.“
    „Seit ich angefangen habe zu musizieren ist dieses Streben nach Einfachheit einfach da.“
    „Manche fragen mich „Warum sagst Du Songs? Ein Song braucht einen Text.“ Wenn ein Stück gut ist kann es eine Tiefe erreichen, die keinen Text benötigt.“

„Und doch schreiben wir nur ein einziges Lied im Leben.“ Carlos Bica hat in seinem Leben ganz viele Songs geschrieben, und doch ist sein Satz wohlgewählt – und wohlplatziert. Er findet sich in seinem Geleitwort zu „Song Book“, einer Notenedition einiger seiner Kompositionen. An diesem einzigen Lied schreibt der portugiesische Kontrabassist schon seit über zwanzig Jahren, einmal mehr auch auf der neuen CD seines Trios AZUL („Things About“, Clean Feed).

Wonach hast Du die Stücke im „Song Book“ ausgewählt? 

Einerseits waren es Kompositionen, die für mich persönlich wichtig waren und sind. Dann sollten die Stücke Songcharakter haben. Es sind ja sehr einfach gehaltene, klare Stücke. Diese Einfachheit ist wichtig, damit sowohl Profimusiker als auch Studenten sie spielen können.

Ein Problem war, dass ich kein Computerprogramm für meine Partituren habe sondern normalerweise alles mit der Hand schreibe. Als Jazzmusiker ist man es ja gewohnt, dass vieles gar nicht notiert wird.  Man erklärt den Geist der Komposition, ihre Dynamik und Artikulierungen direkt, schreibt es nicht auf. Das geht bei einem Songbook natürlich nicht. Es musste vieles neu geschrieben werden. Da hatte der Verlag einiges zu tun. Mir hat das Handgeschriebene dann aber gefehlt. Es war etwas kalt. Da bin ich auf die Idee gekommen eine Freundin einzuladen um Zeichnungen zu den Stücken zu machen. Ich bin jetzt sehr zufrieden. Es ist sehr schön geworden.

Du sagst Deine Musik sei ‚einfach’. Vieles was einfach klingt muss aber ja nicht einfach konstruiert sein. 

Was beim Hörer ankommt steht nicht auf dem Notenpapier. Wenn man etwas macht, wo man gerne für sich ist, die innere Stimme herauskommt, dann kommt man auf eine Tiefe und erreicht damit dann auch das Publikum. Man kann auch mit komplizierter Musik Zuhörer erreichen, sicher, aber ich denke, dass man das Publikum letztlich nur durch diese Tiefe erreicht. Es ist natürlich leichter, wenn man eine Melodie hat, die man nachsingen kann. Wenn eine Melodie gut ist, brauchst Du nicht mehr viel Weiteres. Wenn jemand aus dem Konzert kommt und pfeift die Melodie ist das doch sehr schön.

Wo hat dieses Denken seine Wurzeln? 

Das bin ich einfach. Das ist meine musikalische Persönlichkeit. Seit ich angefangen habe zu musizieren ist dieses Streben nach Einfachheit einfach da. Auch die Einstellung zum Klang und was er für eine wichtige Rolle spielt.

Manche fragen mich „Warum sagst Du Songs? Ein Song braucht einen Text.“ Wenn ein Stück gut ist kann es eine Tiefe erreichen, die keinen Text benötigt. Es gibt genügend Stücke, die keinen Text haben und besser sind als welche mit Text. Bei einem Stück ohne Text ist die Fantasie des Hörers ganz anders angeregt.

Es hat nun einige Jahre gedauert bis Du wieder mit AZUL eine neue CD gemacht hast. Brauchte die Band diese Pause?

Es gibt da keinen Plan. Ich schaue bei neuem Material immer, wie es passt. Jetzt waren es vier Jahre, vielleicht sind es beim nächsten Mal nur zwei. Da gibt es kein System.

Du hast viele unterschiedliche Projekte: AZUL, Matéria-Prima, DIZ, Dein Duo mit dem Pianisten Joao Paulo und noch anderes. Nach welchem Prinzip entscheidest Du, für welchen Kontext das Material am Besten passt?

Das weiß ich meistens wenn ich es zusammenstelle. Manchmal probiere ich auch einfach ob es in einem bestimmten Kontext funktioniert. Wir sind in dem Trio zwar alle gleichberechtigt, aber Frank ist schon ein wichtiger Partner. Er ist quasi der Sänger der Gruppe. Er muss sich als erster wohlfühlen in den Stücken. Ich bin zwar der Bandleader und schreibe die Stücke, aber wir spielen als Band. Es ist ja nicht so, dass ich denen die Noten gebe und sie ihren Job erfüllen sollen. Jeder muss bei den Stücken wissen, wie er damit umgehen muss, was das Stück verlangt. Erst da fängt dann die Musik an. Damit das stattfindet muss ein Musiker das Stück adoptieren. Wenn das Grundbild klar ist kann es bei jedem Konzert wieder neu ausgestaltet werden. Auf diese Art und Weise versuchen wir die delikate Balance zwischen der Magie der improvisierte Musik und die klaren Konturen  eines Songs zu erreichen.

Unsere musikalische Einstellung ist ein ständig wachsender Prozess. Als wir vor 15 Jahre unsere erste CD aufgenommen haben, herrschte eher eine traditionellere Spieleinstellung. Jetzt ist es anders, schwer zu beschreiben. Jeder bringt seine unterschiedliche Lebens und musikalischen Erfahrungen mit in die Band ein, aber trotzdem ist allen klar, dass, wenn wir spielen ein bestimmter Klang notwendig ist – der AZUL Klang.

Ihr habt diesmal keine Gäste mit dabei. 

Es war keine bewusste Entscheidung gegen den elektro-akustischen Ansatz von „Believer“. Wenn ich eine neue Platte angehe frage ich mich natürlich, welches Format sie haben soll. Ich hatte auch schon ein paar Namen für eventuelle Gäste im Kopf. Aber es ist schwer das zu konzipieren ohne die Stücke gespielt zu haben. Als sich die dann konkretisiert haben, habe ich gedacht „Nein, warum eigentlich?“ Mit DJ Illvibe (aka Vincent von Schlippenbach) ist es damals [für die vorletzte AZUL-CD „Believer“] ganz natürlich entstanden. Ich habe ihn einmal im ‚B-Flat’ gehört, war total begeistert und 100%ig sicher, dass es klappt mit ihm. Wir haben gar nicht geprobt. Er ist einfach ins Studio gekommen, ein paar Stunden geblieben und wieder gegangen. Es war gelungen. Diesmal, nachdem wir angefangen haben zu proben, war mir klar, dass die Musik im Trio gut funktioniert. Es muss einen Grund haben, wenn man dann noch einen anderen Musiker dazu bittet, und der Grund war nicht da.

Folgen die Stücke einem roten Faden? 

(überlegt) Die CD sollte eine ruhige Stimmung haben, auch wenn „Deixa pra lá“ etwas rockiger ist. Aber das ist so ok., es ist wie einen Stein zu werfen in einen ruhigen See. Ich versuche sowohl Musik, die zum Träumen bringt als auch welche zu der man träumen kann zu thematisieren. Ich mag es, wenn ein Stück Poesie hat.

Die Stücke sind nicht sehr lang. 

Es hat mit dem Songformat zu tun. Man macht ein Statement und sagt, was zu sagen ist. Punkt. Die Kollegen und ich sind uns einig, dass Improvisationen in diese Band nicht im Mittelpunkt stehen. In der Konzeption bzw. Kreation eines Stücks wird schon viel improvisiert, da müssen dann nicht unbedingt auch noch viele Soli sein. Eine Improvisation muss einem Stück eine zusätzliche Facette geben, sonst brauche ich sie nicht. Es muss eine Fortsetzung der Komposition sein, integriert ins Arrangement. Es gibt Stücke, die wie Jazzstandards eine Form haben über die man dann improvisiert. Wenn das nicht gut gemacht ist, dann wird es zum Klischee: Thema-Improvisation-Thema. Das interessiert mich nicht. Bei mir soll die Improvisation Teil des Ganzen sein. Das funktioniert am besten, wenn diese Teile kurz sind, und dadurch sind eben auch die Stücke kurz.

Deine Titelgebung wirkt manchmal durchaus programmatisch. 

Ich bin froh, wenn ein Titel da ist und ich nicht so überlegen muss. Manchmal kommt dann aber doch etwas Interessantes dabei heraus, z.B. bei „Elle m’a dit (fait ce que tu veut mais fais-le bien)“. Dass heißt ja übersetzt: „Sie hat mir gesagt: mach was Du willst, aber mach es gut)“. Das hat mir einmal eine Freundin gesagt. Mir ist das immer im Gedächtnis geblieben, nach dem Motto. „Denk nicht darüber nach, was die anderen davon halten, sondern mach es, wenn Du es für richtig hältst.“ Diesen Gedanken wollte ich nun auch musikalisch festhalten. Der Satz gehört zu meiner Lebensphilosophie.

Carlos Bica + AZUL: Things about (Clean Feed, 2012)
Carlos Bica: Song Book (Edition MAWI, ENJA)

Jazz Podium review by Ulrich Steinmetzger

Poesie ohne Worte: Carlos Bica & Azul entfalten abermals ihren Klangkosmos

Gut 15 Jahre existiert Azul schon, das Trio des in Berlin lebenden portugiesischen Kontrabassisten Carlos Bica. Auf der erst fünften CD der Band klingt die Mischung aus Pop, Folklore und Jazz wieder äußerst entspannt und mild, als wäre dieses Schwere ganz einfach.

Gut 15 Jahre existiert Azul schon, das Trio des in Berlin lebenden portugiesischen Kontrabassisten Carlos Bica. Weder die Besetzung mit Gitarrist Frank Möbus und Schlagzeuger Jim Black noch das Konzept haben sich geändert. Warum auch? Viel zu gut und einmalig ist diese auf ungewöhnliche Weise Pop, Folklore und Jazz zu etwas Eigenem fusionierende Musik auch auf dieser erst fünften CD der Band. Wieder klingt das äußerst entspannt, mild und wie eine harmonische Endlosschleife des Einfachen, das schwer zu machen ist. Es klingt nach Meer, nach Sommer, nach einer meditarranen Brise, in der sacht die Wellen spielen.

Diese auf der Achse Lissabon-Berlin-New York gewachsene Musik verbreitet einen ausgemachten Wohlfühlfaktor und produziert hohes sinnliches Vergnügen. Man hört elf eingängige Songs ohne Worte, doch voller Poesie. Wundervolle Melodien werden in diesem austarierten und emotional aufgeladenen Klangkosmos zwischen den Beteiligten hin und her gereicht, gedreht und gewendet in einem großen Schwelgen, das sich Zeit lässt und doch nicht auf der Stelle tritt.

Carlos Bicas Bass singt dunkel und sonor. Frank Möbus zelebriert transparent seine Linien, lässt Raum zwischen den Tönen oder schichtet sie zu ausgewogenen Klangflächen. Jim Black demonstriert geradezu lehrbuchhaft, wie man mit Drive, Puls und delikaten Rhythmen eine Band nuanciert am Laufen hält, ohne laut in den Vordergrund zu drängen. Drei exzellente Improvisatoren, die gelegentlich auch das Tempo anziehen, ordnen sich ohne Muskelspiel oder autoritäres Gehabe zum Gruppenklang. Alles fließt, fragil verträumt und doch mit Nachdruck, voller Wärme, Timing und kluger Heiterkeit, dass es immer so weitergehen könnte.

Eine Azul-CD sollte man besitzen. Mindestens. Diese sei nachdrücklich empfholen.

JazzWrap review by Stephan Moore

Baloni – Fremdenzimmer Baloni (CF 237)
Blending the urgency of improvised music with spacial aesthetics of classical chamber music, Baloni have debuted with the phenomenal and flawless, Fremdenzimmer (Clean Feed; 2011).

If you’ve been with us for awhile you know I have become a huge fan of both Badenhorst and Niggenkemper in the last year. They’ve teamed up again along with Frantz Loriot to compile 11 tracks of beguiling expertise and beauty.

I guess a way to describe it is free form improvised classical? Maybe? I guess?

“Lokomotive” moves in just as the title says. The train leaves the station slowly and builds up steam. The music sways and shifts like a Steve Riech piece but is challenging at every turn. A hypnotic number that utilizes space and calm that leaves you motionless. Badenhorst’s manipulation on clarinet with Loriot and Niggenkemper’s counterpoint structures on “Searching” had me sitting intensely trying to figure out which instrument to focus in on. It’s a  dense piece with moving parts that are both quiet and bold. Niggenkemper and Loriot really shine from the halfway point through to the closing notes of this piece. Their string work is impressive and full of life.

“4am” is fragile and haunting. The trio, while starting on a structured path make it clear that within the borders of this piece they will roam freely with ideas. Loriot’s plucking provides the creative constant within “4am.” The backdrop is Badenhorst and Niggenkemper’s one tone that locks the listener in and also sets in place the next piece, “27’10 Sous Les Neons.”  A playful number which feels like it could be a commissioned piece for an avant-garde ballet.

The title track, I believe meaning “guest room” in German (someone please correct me if I’m wrong), is possible not the guest room you’d want to stay in. This is a delicate and well-crafted piece that has many angles and edges. Badenhorst and Loriot are unified in sound and compliment each other even during the slightly aggressive exchanges.

At a time when music needs to move forward, Baloni is one of those rare groups that can show us the way. Fremdenzimmer is an album of unexpected exchanges, harmonies and patterns that fans of challenging and introspective sounds must give a priority listen.

Written in Music review by Henning Bolte

Kris Davis – Aeriol Piano (CF 233)

Je komt geen herkenbare referentiepunten tegen als je naar het pianospel op dit album begint te luisteren. Het is een andere, onbekende maar uitermate heldere en consistente klankwereld waar je in terecht komt. Economisch gedoseerde toonreeksen van een onbekende logica maar een sterke coherentie. Hoe dat in het eerste stuk gaandeweg naar Jerome Kern’s All The Things You Are leidt en er weer uitgaat, is frappant en raadselachtig. Het lijkt alsof Davis met elke toon van het origineel apart eigen structuren bouwt. Het levert een aparte spiegelende contrastwerking op. Davis speelt niet simpel snel maar met een versnellende inzet en een afbreuk of wegbreken op het eind. Haar frasering krijgt daardoor iets weg van onregelmatig schuivende zandkorrels. Het levert velden met geraffineerde, eigenaardige tussenruimtes met een aparte microritmiek op. De cover van het album geeft daar een aardige visualisatie van.   Het tweede stuk, het tien minuten durende Saturn Return, treedt de luisteraar meteen met een hybride klankwereld tegemoet. Davis combineert hier gewone pianoklanken met pianoklanken die door preparaties tot stand komen. Ze gebruikt deze gemengde techniek op een sophisticated, eigen manier. Beide handen opereren dikwijls zo onafhankelijk van elkaar dat de indruk van twee verschillende instrumenten c.q. spelers ontstaat. Het zijn wederom ‘kleine’ klanken met hun eigenaardige tussenruimten die een stuk kosmische verbeelding oproepen.   Het derde stuk A Different Kind Of Sleep is het meest bijzondere stuk van het album. Het heeft een diepe concentratie waarvan een berustende werking uitgaat zonder dat de vreemdheid van de klank afneemt. Het stuk Stone heeft een soortgelijke tonaliteit maar hier is deze doorgeschoven naar een meer herkenbare elegische vorm en krijgt juist daardoor een sprekende schoonheid.   Tot de verbeelding spreken ook de titels Beam The Eyes and Work For Water. En wat te denken van de albumtitel! Het is een woord waar Google niets op weet, geen bits uit de bites-0ceaan kan leveren (en dat wil iets zeggen)! Ja, ‘Air’ en ‘Aureool’ klinken in ‘Aeriol’ mee maar het blijft verborgen welke stof het is. Uiteraard komt deze muziek niet uit het niets voort maar ze laat niet eenvoudigweg vergelijken, herleiden of labelen. De combinatie van solide coherentie en blijvende vreemdheid maken deze muziek zo sterk en fascinerend. Het is muziek die iets heeft en dat niet weggeeft. Het is wel zo dat ze onder het luisteren iets vrijgeeft en vrijmaakt. Rest mij nog op te noemen met welke groten Kris Davis al gespeeld heeft? Ze is inderdaad in de New Yorkse scene zeer in demand en er is ruim gelegenheid haar daar live EN op albums in verschillend contexten mee te maken. Maar hier gaat het om de het meest persoonlijke, haar solo-werk!

Written in Music feature on Tim Berne by Henning Bolte

Tim Berne – Geheimen van de operatieve kern van het Spel
Berne (1954), die in de jaren 80 ook een tijdje in de Amsterdamse scene verbleef, heeft tot op heden zijn geheel eigen spoor door het klanklandschap getrokken. Geheel uiteenvallende structuren gaan bij hem als bij geen ander over in uiterste tonale verfijning, woeste uitbarstingen in gloeiende orkestrale kleuren. Hij is iemand van de grotere vorm met dergelijke uitersten als noodzakelijk onderdeel, waar eenheid en open flow uit ontstaan. Berne heeft letterlijk en figuurlijk een lange adem bij zijn muzikale omzwervingen. In zijn begintijd heeft hij niet alleen zeer eigen keuzes gemaakt. Hij is ook een uitgesproken doorzetter en volhouder. Zijn stukken zijn meestal langer en ze zijn het resultaat van het langduriger “eruit spelen” van de vorm.

Eigenheid en samenvoeging als kern en motor Als instrumentalist was hij een laatbloeier. Hij durfde van begin af aan uitdagende muzikale partners en waaghalzen aan – zoals de jonge Joey Baron, Bill Frisell of John Zorn én hij durfde te falen. Zo kon hij (met vallen en opstaan) iets geheel eigens vinden en ontwikkelen, das gewisse Etwas dat weer stimulerend op anderen inwerkte. Berne: “Ik begon te beseffen dat je het potentieel van mensen met een hoop personality moet ontginnen, dat je hun tot gelijke partners in wat er gebeurt moet maken waarbij ik verrast wordt door wat ik zelf aan het doen ben.“ En over falen als belangrijk impuls: “Hoe meer je als leider doet, hoe minder kostbaar het wordt en hoe meer je gaat beseffen dat mislukking een inherente eigenschap van je bestaan als improviser is. Het is bijna noodzakelijk. En ik zou willen zeggen: het is een positieve zaak. Je gaat daardoor over naar iets anders. Je hebt deze ongemakkelijke momenten nodig.”1

Daarbij heeft hij invloeden – uit de populaire muziek en vooral van zijn leermeester Julius Hemphill – geabsorbeerd en op zijn eigen wijze omgevormd. Berne over zijn Hemphill-ervaring: “Zijn album Dogon A.D. verbond al die dingen waar ik naar geluisterd had. Ik was daardoor in staat mijn R&B-kant met de kant die naar Braxton en Roscoe Mitchell luisterde samen te laten klinken. Op de een of ander manier kreeg hij het voor elkaar alles in een pakket samen te brengen zonder dat iets als idiomatisch eruit stak. Én hij had een werkelijk soulful sound waar ik iets mee kon doordat ik naar types als King Curtis en Junior Walker geluisterd had.”

Herkenbare stijlkenmerken liggen er bij Berne nooit bovenop. Compressie en uitrekking – met Don van Vliet achtige trekken – leverde zijn aanpak op. Één van zijn vroege muzikale partners, slagwerker Paul Motian, duidde Bernes muziek toen – veelzeggend – als King-Kong-muziek aan. Berne: “Ik gebruik visuele gegevens als inspiratie. Een snel gedeelte, een langzaam gedeelte, een hoog verdicht gedeelte, een karig gedeelte: het is een soort hippe filmmuziek voor mij. Paul Motian merkte dan steeds weer op: ‘Nou Tim, jij schrijft alsmaar van die King Kong muziek!’ En ergens had hij gelijk. Vooral omdat iedereen in die band een soort acteur was. Ik wilde de persoonlijkheden niet onderwerpen, zich laten voegen. Ik wilde ze laten bloeien. Zodoende bedacht ik eenvoudige vehikels voor deze persoonlijkheden.”

In het spel: vorm als dynamisch gegeven Berne hoort ergens bij het rijtje uitvoerende componisten-improvisatoren met een eigen benadering en een eigen systeem zoals Henry Threadgill, Steve Coleman of John Zorn. Zelf benadrukt hij echter keer op keer geen systeem te hanteren. Hij hecht aan toewijding van een selecte groep musici waarmee hij over lange perioden werkt, zoals slagwerker Tom Rainey, pianist Craig Taborn, de gitaristen Marc Ducret of David Torn.

Berne lijkt vooral op het spel zelf in de ruimste zin gericht te zijn, op de biotoop van de interne operatieve kwaliteiten als ever changing bron van creativiteit voor alle spelers, op de wisselwerking en spanning tussen ontwerp en realisatie. Daarin fungeert hij als een regisseur met een eigen sensibiliteit voor melodie en klank. Vorm en systeem worden in Bernes muziek voelbaar, maar blijven doorgaans net ongrijpbaar. Omtrekken en gestalt verspringen en onvoorziene en frappante wendingen laten het geheel langs onvoorspelbare wegen doorstromen. Het is muziek die opgesloten schijnt en tegelijk wijd opent, begrenst en ontgrenst. Hierbij ontstaat een soort hyperrealiteit die intens materieel voelt en tegelijk een soort reële droomkwaliteit heeft, iets wat men ook in de vertelkunst van Franz Kafka tegenkomt.

Hier aandacht voor drie recent verschenen opussen van Berne: het grandioos orkestrale inSomnia, het ruige trio The Veil en het zielzoekende Snakeoil.

Stekelige grandeur: inSomnia *****
inSomnia bevat twee lange stukken, The Proposal en oPEN, cOMA, van elk rond de dertig minuten, uitgevoerd door een octet met 4 snaarinstrumenten: gitarist Marc Ducret, violist Dominique Pifarély, cellist Erik Friedlander en bassist Michael Formanek. Een belangrijke rol naast Berne (hier ook op bariton met een gave solo in het tweede stuk), klarinettist Chris Speed en slagwerker Jim Black vervult trompettist Baikida Carroll, die het intensiefst met Hemphill samenwerkte. Het is eigenlijk meer dan wonderlijk hoe zowel de lijnen als de verschillende stemmen c.q. secties in elkaar grijpen. Wonderlijk omdat het op het ene moment bijna stuntelig of kinderlijk klinkt en op het volgende moment uitmondt in magistrale gloed. En: het is muziek op soulful soil met doorgaans een Eisleriaanse of Wolperiaanse edge2. Het bijzondere van deze opname uit 1997: hoe hier zelfbewust, onbekommerd en voluit stekelig gespeeld wordt! Het ruwe, rafelige, scheve, schelle, de groove en de momenten van confluence grijpen zo adembenemend in elkaar als je dat tegenwoordig nog maar zelden te horen krijgt. Wat hier in hoogste concentratie en energie zonder perfectiedrang samenkomt, is van buitengewone kwaliteit. Alleen al de drumsolo van Jim Black waarmee het tweede stuk eindigt! Het is met inSomnia als met een bijzondere wijn die naar een decennium geur en smaak ontvouwend uit het donkere lager in het vreemde daglicht tevoorschijn komt. Dit is ook een verdienste van Pedro Costa, David Torn en Steve Byram.