Monthly Archives: October 2012

Le Son du Grisli review by Guillaume Belhomme

Joe McPhee / Ingebrigt Håker-Flaten – Brooklyn DNA (CF 244)
Plusieurs fois avons-nous pu entendre comment fraternisent Joe McPhee et Ingebrigt Håker-Flaten : récemment en quartette sur Ibsen’s Ghosts et en duo sur Blue Chicago Blues. Quatre ans après cette rencontre à deux, McPhee et Håker Flaten enregistraient le matériau de Brooklyn DNA.

Un art nerveux de la confrontation, écrivait-on hier. Aujourd’hui, un alto répétant une sélection de graves permet au contrebassiste d’inventer une mélodie au son de laquelle fuir l’opposition ; un soprano met en joie un Håker Flaten hors ligne ; une trompette de poche change peu à peu ses expérimentations en expressions vives ; quelques souffles clairs commandent à l’archet de se lever enfin. Ci-fait, la contrebasse peut attirer à elle toute l’invention de McPhee : qui créé une intense ballade dans le sillon tracé par les cordes ou balance sur deux ou trois notes avant de jouer des épaules. Ainsi ces retrouvailles McPhee / Håker-Flaten gagnent-elles en diversité ce qu’elles perdent en autorité : font preuve de flamboyance quand ce n’est pas de haute impertinence.
http://grisli.canalblog.com/archives/2012/10/31/25455821.html

Blow Up Magazine review by Enrico Bettinello

Hairybones Snakelust (CF 252)
Platform 1 Takes Off (CF 255)
The Fish Moon Fish (CF 254)
Instancabili gli alfieri dell’avant/jazz, di ogni latitudine. Prontissima come sempre la portoghese Clean Feed  a documentarli, come in questo trittico che farà certamente ingolosire gli appassionati.

Gli Hairybones di Peter Brötzmann innanzitutto, impegnati in una lunga suite dedicata allo scrittore giapponese Kenji Nakagami: il quartetto, completato dalla tomba e elettronica di Toshinori Kondo, dal basso di Massimo Pupillo [Zu] e dalla batteria di Paal Nilssen-Love [The Thing] è una vera e propria macchina da guerra, un muro di intenzione sonora [anche quando uno dei componenti viene lasciato a monologare, come nello splendido interludio di Brötzmann dopo circa un quarto d’ora dall’inizio]. I fan apprezzeranno, astenersi nervi fragili.

Ottimo anche l’ennesimo nuovo progetto di Ken Vandermark, ormai stabilmente proiettato sugli incroci tra musicisti americani e europei: il quintetto Platform 1 si pregia di uno dei migliori e più sottovalutati tromboni in circolazione, Steve Swell, della tromba di Magnos Broo [Atomic] e della intensa coppia ritmica formata da Michael Vatcher e Joe Williamson, entrambi musicisti che dagli States si sono trasferiti in Europa. I temi sono firmati da ciascuno dei componenti e questo garantisce una bella varietà di approcci e di situazioni, da quelle più astratte e impalpabili [Stations di Vandermark] a quelle più ruspanti come Compromising Emanations di Swell. Grande dinamismo e splendida musica, sebbene nel solco di sintesi post-free tipico di Vandermark.

Viene invece dalla Francia il trio The Fish, che già si era fatto apprezzare qualche anno fa con un bel live per la Ayler Records. Il contralto di Jean-Luc Guionnet, il basso di Benjamin Duboc e Edward Perraud si rifanno apertamente alla ormai lunga tradizione dell’improvvisazione libera e torrenziale, sebbene giocata con grande abilità. Nulla di nuovo, ma un trio che se vi capita dal vivo, non è da mancare.

Blow Up Magazine review by Enrico Bettinello

Angles 8 By Way Of Deception (CF 256)
Trespass Trio Bruder Beda (CF 251)
Irriducibile a ogni classificazione, originalissimo e politico, fortemente immerso nella tradizione di ricerca, ma al tempo stesso portatore instancabile di un approccio ellittico alla creazione musicale, il sassofonista svedese Martin Küchen ha trovato nel progetto Angles uno dei suoi esiti più coinvolgenti.

In “By Way Of Deception”, registrato al Festival di Ljubljana dello scorso anno [dove fecero anche una sortita nelle strade], il sestetto si amplia a ottetto con l’aggiunta di pianoforte e di un altro sassofono e la musica è un’esplosione di idee e colori. Tenendo come punto di riferimento la Liberation Music Orchestra di Charlie Haden, Küchen e soci esplorano con una visceralità contagiosa temi innervati di grande cantabilità come la title-track o la indimenticabile Today Is Better Than Tomorrow, per giungere al bellissimo affresco conclusivo di Don’t Ruin Me/Let’s Tear The Threads Of Trust. Musica collettiva e condivisiva, sostenuta in modo eccellente da individualità come il vibrafonista Mattias Ståhl o il trombonista Mats Aleklint [per non dire della travolgente ritmica composta da Johan Berthling e Kjell Nordeson] e capace di riaccendere con semplicità detonante la miccia di un jazz armato di violenta dolcezza. Fantastico!

Küchen è anche leader del Trespass Trio, con Per Zanussi al contrabbasso e Raymond Strid alla batteria: incentrato sulla tortuosa storia del monaco Bruder Beda, ebreo, poi cattolico, poi laico, poi deportato nei campi di concentramento, il nuovo disco del trio conferma sia la forte carica politica della musica del sassofonista, sia la musicalità alternata tra furore e inquieto lirismo. Momento di grazia per Martin Küchen.

Blow Up Magazine review by Enrico Bettinello

PÃO – Pão (SHH002)
FILIPE FELIZARDO – Guitar Soli For The Moa And The Frog (SHH001)
Forte dell’eccezionale lavoro svolto nell’ambito dell’avant-jazz, l’etichetta portoghese Clean Feed patrocina una nuova sub-lbel dal bel nome Shhpuma e dedicata a proposte portoghesi emergenti nei linguaggi limitrofi alla sperimentazione di matrice jazzistica. Interessanti le prime due uscite: il trio di Lisbona, Pão (Pedro Sousa al tenore, TIago Sousa alle tastiere e il manipolatore elettronico Travassos) esplora mondi espansi in cui dilatazione e irrequietezza free si incontrano, senza timore di sintetizzare l’allucinatorio iterarsi della drone music con l’erratico melodiare degli improvvisatori liberi. Promettono molto bene.

John Fahey da un aparte e la ricerca improvvisativa più avventurosa dall’altra sono i riferimenti del chitarrista Filipe Felizardo, musicista in cui convivono una bluesness senza tempo e il miraggio di spazi desertici punteggiati da asteroidi fantasma. Mica Male!

The New York City Jazz Record review by Stuart Broomer

Angelica Sanchez Quintet – Wires and Moss (CF 259)
Pianist Angelica Sanchez presents a new band here, with a frontline of Tony Malaby on soprano and tenor saxes and Marc Ducret on guitar and a rhythm section of Drew Gress and Tom Rainey. It might be convenient to call it a quintet, but at times it hints at that ancient usage of “orchestra” for even the smallest number of musicians: there’s a breadth and a passion and a vision here that suggest great movements and the sweep of history. Sanchez’ compositions are essentially lyrical, whatever the tempo, and they draw on the expressive reserves of both Malaby and Ducret. The former’s sound is a kind of on-going mutation of the idea of breath with the latter’s a sometimes astonishing transformation of the human, his guitar a machine that has learned to speak its own language. The degrees of empathy and focused intensity come to the fore on “Soaring Piasa”, an almost anthemic melody first drawn from Malaby’s mutters, then carried forward by Sanchez’ lightly darting, abstract piano lines, the subtle under pinnings of Ducret, the power of Gress and the looming drama of Rainey all extending the range of motion until Malaby returns and tests the theme for every hint of meaning, expanding its phrases until new messages breakthrough the dense grain and wide vibrato of his sound. Each member of the group assumes the foreground, whether in solo spots or as a leading voice. “Dare” has Rainey at his most abstract, a central figure in a dialogue in which other musicians may keep time while he plays with, plunders and ultimately trivializes its conventionality. Sanchez’ structure is made for it, an elastic vision in which that play of time ultimately becomes a kind of five-ring circus, the various speakers bending the notion of time toward a lyric center. This quintet might be an ideal vehicle for Sanchez, whether the musicians are picking up strands of meaning in her work or adding their own (like Ducret’s intro to the title track or that of Gress on “Bushido”), enriching them all and creating a richly layered field of interpretation and realization around each theme.

The Wire review by Bill Meyer

Felipe Felizardo – Guitar Soli For The Moa And The Frog (SHH 001)
Pão – Pão (SHH 002)

Not satisfied with being one of the 21st century’s most productive jazz labels, Lisbon based Clean Feed has spun off a new imprint called Shhpuma. Its first two releases distinguish themselves from the parent company’s output by maintaining only the barest relationship to jazz.

Pão might, if you’re squinting right, look like a jazz trio. Pedro Sousa wields that most iconic of jazz horns, the tenor sax, and Tiago Sousa plays keyboards, harmonium, and percussion. Third member Travassos ruins the image by sitting at a table covered with tape players, circuit-bent appliances, and diverse amplified objects.

Sousa has definitely cocked his ear to the more extrovert side of saxophonic extended technique; his vocabulary of thick flutters and nimble high notes owes a lot to Mats Gustafsson and John Butcher. But Sousa’s keys hew closer to the wide world of contemporary drone, and his percussion works mainly to raise the music’s pitch ceiling, not assert a pulse.

There are points where Travassos’s machinations flicker at the edge of audibility, leaving small abrasions upon the music’s surface; but at other times he joins his partners in a three-layer sandwich of longtone drift. Even at its slowest, the music pursues a forward momentum that enhances its approachability. Like the Scandinavian trio Fire! and the multinational Koboku Senju, they apply sounds legitimised by early generations of European improvisors to more linear ends.

When guitarist Filipe Felizardo plays with Sousa in the trio Acre, his playing is crusty with distortion and savage enough to suggest he’s spent some time listening to the right Sonny Sharrock records. But on his own he steers clear of effects, which makes his links to the blues much clearer. Felizardo juxtaposes harsh, misshapen chords with warped strips of continuous sound that sound like the result of some bowing technique.

The guitarist never utters a word, but his titles position this album as protest. The album is named for one animal wiped out by man and another that is well on the way. The emptiness that rises up over each sound Felizardo plays echoes the spaces that humanity opens around itself as it perpetrates extinction after extinction. But even without the names, the baleful vibe of Felizardo’s playing is compelling.

Bodyspace review by Paul Cecílio

Filipe Felizardo – Guitar Soli For The Moa And The Frog (SHH 001)
Sagrou-te, e foste desvendando a Shhpuma.

Primeira edição da recém-criada editora Shhpuma, Guitar Soli For The Moa And The Frog é um disco cuja sonoridade provoca, e é criada a partir da, contemplação e reflexão. Todo ele construído à base de laivos de guitarra, praticamente sem efeitos ou outras distracções, Guitar Soli… é quase como um ser vivo: caminha, pausa para respirar e para se alimentar, prossegue a viagem pela rota do blues cósmico; o silêncio, aqui, é utilizado ele próprio como se fora um instrumento, mostrando-se tão importante como as frases que vão eclodindo dos dedos de Filipe Felizardo.   É um modus operandi que se traduz num belíssimo disco. Contando uma história através de oito faixas, que serão melhor apreciadas lendo as liner notes do CD de forma a poder construir paisagens imaginárias auxiliadas pela música, Guitar Soli… vive não da tensão entre o silêncio e o som, como por vezes acontece neste género de abordagens, mas da simbiose. Quando a música trava, a ausência toma forma; quando regressa, fá-lo de modo gentil e não abrupto, preenchendo esse vazio como um pulmão se enche de oxigénio. Reside aqui a sua maior força, esta conjugação entre dois mundos à partida distintos – mas, ao invés da citação que diz que a escuridão é a ausência de luz, em Guitar Soli… o silêncio não é de todo a ausência de música.   Parece ser sobretudo o amor pela guitarra, eléctrica ou acústica, como em “Of The Excrement And The Frog”, o alvo principal do pensamento que levou à composição deste disco, por ser um objecto de ligação entre o homem e o que o rodeia, quer a terra quer o cosmos; é a pena com que Felizardo, em modo poeta, redige os versos de Guitar Soli For The Moa And The Frog de forma eficaz e que preencherão a alma dos leitores que se aventurarem. Está aqui um dos mais belos “discos de guitarra” que ouviremos em 2012.
http://bodyspace.net/discos/2337-guitar-soli-for-the-moa-and-the-frog/