Daily Archives: January 14, 2014

Expresso review by João Santos

CF 288Elliott Sharp Aggregat – Quintet (CF 288)
Com mais vontade do que acerto, escreveu um dia Torquato Neto: “Há várias maneiras de se cantar e fazer música: Gilberto Gil prefere todas”. O vaticínio, que, presume-se, admitia mentalmente a hipótese de vir o baiano a perfilhar uma carreira punida pela inconsistência, ganhou eco numa declaração de Butch Morris, proferida já, esta sim, no contexto de uma apresentação do percurso de Elliott Sharp, quando, em “Doing the Don’t”, ajuizava o maestro ao realizador Bert Shapiro: “[Na música de Sharp] Vão ouvir algo que nunca ouviram na vida e que, seja ou não do vosso agrado, de algum modo os vai inspirar”.

Pela mesma razão encontra-se tanto de espúrio na discografia do guitarrista nova-iorquino. Porque à ambição de marcar a história do jazz moderno, por exemplo – o que, imagine-se, lhe garantiria a posição imediatamente anterior à de Sonny Sharrock no “Penguin Guide to Jazz”, caso, lá está, lhe tivessem consistentemente reservado entrada os autores da enciclopédia –, sobrepôs-se o desejo de documentar o inclassificável.

O ano de 2013 provou-o, com “Momentum Anomaly” compendiando solos acústicos, “Haptikon” testemunhando um interesse pela inteligência artificial, “Crossing the Waters” assinalando o batismo de um novo trio, “In The Pelagic Zone” reunindo obras de câmara e o DVD “Ostryepolya” registando duetos com Scott Fields. Mas é neste “Quintet” – em que, a favor dos sopros, renuncia integralmente à guitarra, aliando-se a Nate Wooley, Terry Green, Brad Jones e Ches Smith – que coloca do lado certo aquilo que adora pôr do avesso. Ou seja, o mais atípico dos seus discos é o mais imediato e indispensável dos que já fez na vida.

Peter Margasak’s Best of 2013 list (Chicago Reader)

My favorite albums of 2013, numbers ten through one

10. Craig Taborn Trio, Chants (ECM)
Perhaps the most versatile, mercurial pianist in jazz, Craig Taborn delivers another stunning statement. He’s led his fantastic trio with bassist Thomas Morgan and drummer Gerald Cleaver since 2007, and you can hear that shared history in how thoroughly Taborn and his bandmates seem to have internalized the material on Chants. His shape-shifting compositions add to the fluid complexity of the songs—despite their many interlocking parts, they never feel halting or mechanical, and their constant destabilizing motion is offset by meticulous construction that allows each player great improvisational latitude.

9. Bill Callahan, Dream River (Drag City)
Bill Callahan has long been the most taciturn of songwriters, and he’s gained strength by paring down his music. On this austere effort he grapples with the most basic concerns of this life we’re stuck in, combining sparsely strummed, phase-treated electric guitar, lean grooves on bass and percussion (which often consists only of congas or claves), extrapolations and interjections by guitarist Matt Kinsey, and occasional embellishments of sweet flute or mournful fiddle. His songs remain mostly cryptic, but that said, they’ve never been so forthright—it’s not hard to arrive at the meaning of the ballad “Small Plane,” which uses flying an aircraft as a tender metaphor for devotion and trust (“Sometimes when you sleep while I take us home / That’s when I know / We really have a home”).

8. Pandelis Karayorgis, Circuitous (Driff)
Great Boston pianist Pandelis Karayorgis made this quintet record in Chicago with a killer local band, though bassist Nate McBride has since moved back the leader’s hometown. The group also includes Frank Rosaly on drums and an excellent yin-yang pair of saxophonists, Dave Rempis and Keefe Jackson. Karayorgis has discussed the fact that he used the classic Tony Williams album Spring as a model for the instrumentation here, but the sound is all his own, with punchy, angular tunes, a wide dynamic range (from soft rustling to juddering blasts), and ingenious arrangements that color in the oblique melodies and provide plenty of suspense. As strong as the solos are throughout the record, I almost enjoy the composed sections most.

Rokia Traore, Beautiful Africa (Nonesuch)
Malian singer Rokia Traore is one of the most instinctive, original musicians working in African traditions. In the past she’s brought a surprisingly effective softness and finesse to her work, adding a delicate folk flair that owed as much to Joni Mitchell as to Baaba Maal, but on her latest album she radically shiftsd gears, working with British producer John Parish, a guy best known for his long association with P.J. Harvey. Backed by malleable British kit drummer Seb Rochford and biting electric guitars (played by Italian experimentalist Stefano Pilia, among others), Traore switches easily to a hectoring attack, singing in Bambara, French, and English, offering pointed observations on Africa’s troubles but also expressing unswerving love of her homeland. She brings infectious, electrifying conviction to every gesture.

6. Alasdair Roberts & Friends, A Wonder Working Stone (Drag City)
Alasdair Roberts’s masterful mix of British folk and modern folk-rock puts him in the company of groundbreaking syncretists such as Fairport Convention, Pentangle, and Steeleye Span—another way of saying that, despite great work from the likes of Waterson: Carthy and the Unthanks, nobody in the past decade or so has done nearly as much to advance the cause of British Isles folk as this Scotsman. His excellent liner notes break down the sources for his original spins on timeless folk conventions—both their story lines and the influential versions that inspired him—and many pieces combine his own tunes with thematically linked traditional songs in seamless medleys about death, sex, desire, or history that make the century of their origin irrelevant.

5. Fredrik Ljungkvist Yun Kan 10, Ten (Hoob Jazz)
Best known as the protean yet thoughtful reedist and compositional voice in Scandinavian quintet Atomic, Sweden’s Fredrik Ljungkvist turns to this agile ten-piece band to reveal another side of his music. Though improvisation is a key ingredient in Yun Kan 10, the ten pieces on Ten’s two discs rely much more on notated music and elaborate, contrapuntal arrangements. The wordless singing of Sofia Jernberg, who gave a knockout performance as part of Fred Lonberg-Holm’s Seval at the Cultural Center in November, dances with the deft front line—Ljungkvist’s saxophones, Mats Äleklint’s rubbery trombone, and Katt Hernandez’s violin—while the springy-then-clattery propulsion comes from twin drummers Jon Fält and Raymond Strid, bassist Mattias Welin, and tuba player Per Åke-Holmlander. It’s like nothing else I heard in 2013.

4. Richard Dawson, The Glass Trunk (Richie’s Own Label)
No album hit me out of the blue like this epic project from English singer and guitarist Richard Dawson. I only discovered The Glass Trunk toward the year’s end, but once I heard it, the music wouldn’t release its grip. Terse improvised exchanges between Dawson’s lacerating electric guitar and the amplified harp of improviser Rhodri Davies alternate with a cappella vocal pieces whose lyrics are derived from materials Dawson found in the holdings of Newcastle’s Tyne & Wear Archives and Museum. He built gorgeous yet bruising melodies for narratives borrowed from or inspired by personal correspondence, yellowed scrapbooks, and old photographs—they have all the tragedy, romance, and yearning of the best British folk music, from which Dawson’s vocals take their inspiration.

3. Robbie Fulks, Gone Away Backward (Bloodshot)
There are many good living songwriters. But then you hear a new Robbie Fulks record, and you can’t remember who they are. Most of the songs on Gone Away Backwards meditate on small-town life, but without the hokum that usually infects Nashville’s treatments of the subject. In a just world, Alan Jackson or George Strait would hit number one with “That’s Where I’m From,” a story that counts You Can’t Go Home Again among its ancestors—the narrator splits town and does his darnedest to build a life of his own, only to realize after it’s too late that the community he left defines who he is. While it may not show off Fulks’s full range, this album is the most focused, meaningful, and beautiful recording he’s ever made, with his best singing yet.

CF 2802. Nate Wooley Sextet, (Sit In) the Throne of Friendship (Clean Feed)
New York trumpeter Nate Wooley is well regarded for his command of extended technique, unexpected free-improv gambits, and rigorous experimental projects. But here he delves into his roots in jazz—a sensibility that always lurks in his playing, but that he’s never before given such a glorious platform. Though Wooley certainly employs free-jazz vocabulary, both in certain voicings and in his judicious solos, the eight original compositions here develop from the excellent arrangements he crafted for this nimble ensemble—reedist Josh Sinton, tuba player Dan Peck, vibraphonist Matt Moran, bassist Eivind Opsvik, and drummer Harris Eisenstadt. The line between composition and improvisation is impossible to trace—they go hand in glove as the music moves from elegant swing to raucous throwdowns. Perhaps it’s due to the key role given Peck’s tuba, but the timbre of the music makes me feel like this is Wooley’s answer to Miles Davis’s Birth of the Cool. It doesn’t sound much like that record, but its meticulous, orchestral opulence achieves the same kind of feeling.

1. Julia Holter, Loud City Song (Domino)
With her third album, Los Angeles composer Julia Holter has found her sweet spot, balancing the songcraft of prerock popular music with daring arrangements and found sounds that reflect her background in experimental music. As much as I love her two previous albums, Tragedy and Ekstasis, Loud City Song is a huge leap past them. Her writing is stronger, her melodies are more sophisticated, her singing is much better, and in contrast with the first two records (which she made by herself) she’s joined by a stellar cast of sympathetic, agile musicians. It felt like a classic out of time from the first moment I heard it, and its gorgeous harmonies and solid tunefulness have only grown more resonant since. For her next record I imagine Holter won’t refine this sound but move onto to some new mode, and I can’t wait to hear what it is.

Top Discos Portugueses 2013 by Bodyspace

Já não há mais formas de o dizer: a música portuguesa está de boa saúde e recomenda-se. Muito para além da obrigatoriedade por quotas nas rádios, para além da discussão inútil da língua utilizada para verbalizar palavras, mesmo para além dos grandes holofotes mediátios, a música portuguesa tem sabido crescer, diversificar-se, ganhar identidade, exportar-se, percorrer as agendas de festivais europeus, andar de peito cheio mundo fora. A música portuguesa tem cada vez menos vergonha na cara; e ainda bem. Como é habitual, somamos o total das nossas vontades e elegemos os dez melhores discos portugueses do ano. São os seguintes. André Gomes

10. JP SIMÕES (FNAC Cultura)
JP Simões é uma personagem singular e resistente do panorama musical português. Por isso, cada vez mais, é um privilégio poder assistir aos seus concertos-conversa e à edição de mais um disco em nome próprio. Roma, o disco, não é inocente, começando pelo título… Roma como capital de um império desagregado, de uma velha Europa. Por outro lado, amor… JP Simões embarca numa narrativa recheada de ironia e sarcasmo, que coloca o povo português ao espelho. Ensina-nos a rirmo-nos de nós próprios, num Portugal desgraçado, “Rio-me”… “Rio-me de Janeiro”. Cruzamento do Atlântico que nunca é, nunca foi esquecido pelo músico, já que o disco vive desse diálogo permanente entre o fado e a música popular portuguesa, entre o jazz e a música popular brasileira, entre a valsa e o samba. Indubitavelmente o registo mais eclético: larga-se o formato cantautor, guitarra e voz, para uma sonoridade colectiva com direito, até, a coros e, quiçá, a dança. Saibamos reconhecer. Alexandra João Martins

9. IGUANAS (Cafetra Records)
Doce ao invés de nos dar na primeira audição algum jorrilho de clichés sonoros em torno das gracinhas dos títulos onde há “Kinky Lady” ou “Amo o Teu Rabo”, não, em boa hora evitam o caminho fácil de um funkzinho porno ou de um hip hop maroto, nem sequer mais Kimo Ameba (de onde são uma parte) há por aqui. Não há fuzz aqui, nem guitarras sujas de feedback. Aqui há batidas tão viciantes como inesperadas que urgem ser dançadas, entre camadas de uma absurda doçura etérea de melodias de pop electrónica, plenas de momentos cereja no topo do bolo que nos engorda a imaginação como uns The Russian Futurists perdidos na linha de Sintra. Rabos, gelados e “babes” em hinos estupefacientes para cyber(tardo)adolescentes e robots tarados, onde um diálogo de uma qualquer novela brasileira consegue tornar-se na canção de amor do ano. Nuno Leal

2013 foi o ano de Susana Santos Silva. A trompetista oriunda do Porto terá sido a figura mais presente do jazz português, estando envolvida em múltiplos projectos: com o seu trio Lama – e o convidado Chris Speed – editou Lamaçal (Clean Feed); em duo com Jorge Queijo gravou Songs from my Backyard (Wasser Bassin); integrada na Orquestra Jazz de Matosinhos participou no disco Bela Senão Sem (TOAP); desenvolveu um duo com a pianista Kaja Draksler; e continua a dinamizar a Associação Porta-Jazz. Mas foi em duo com o contrabaixista sueco Torbjorn Zetterberg que a trompetista editou o seu disco mais marcante, Almost Tomorrow. Combinando uma dimensão lírica com texturas rugosas, o trompete de Santos Silva estabeleceu um perfeito diálogo com o contrabaixo Zetterberg, numa parceria de sucesso abençoada pela improvisação. Nuno Catarino

7. CAPICUA (Edição Digital / Independente)
Com o single “Maria Capaz” já se suspeitava, com o álbum homónimo de 2012 já se percebia, mas 2013 confirmou de vez que Capicua é uma das grandes vozes autorais do Portugal de hoje. Fosse a reescrever e transformar “(A Casa da) Mariquinhas” num fado-rap para Gisela João, fosse a pegar em canções do álbum de estreia, despi-las à sua simplicidade acústica e demonstrar a solidez do seu esqueleto, ou ainda nos seis temas que compõem esta mixtape. Aqui serve-se de instrumentais de Kanye West e, com um toque do seu colaborador D-One, faz o que quer dessa matéria-prima. Demonstra uma versatilidade de registos, do mais combativo ao mais introspectivo, com uma capacidade microscópica para olhar para dentro de si e um olhar telescópico para o que a rodeia, sempre a primar por um malabarismo lírico. Capicua tem uma voz demasiado grande para se confinar a rótulos de sexo, idade, escolaridade ou proveniência. Esta merda é toda dela. Ana Patrícia Silva

6. TORTO (Lovers & Lollypops)
Já aqui o disse e nunca é demais reforçar: ao contrário de 90% da música instrumental que vinga no século XXI, os Torto não vivem de lugares comuns. A linguagem deles carrega o peso da emoção, mas não vive de crescendos, de caminhos rectilíneos em direcção ao clímax, nem de frases esculpidas a montanhas de distorção. Grande parte do disco vive até de um som calmo, limpo, em que bateria, baixo e guitarra tocam todas com um fim: o de dialogar. É neste diálogo, exposto e sentido, que encontramos a emoção. A coisa boa é que esta não é artificial nem provocada; é simplesmente natural e, bem vistas as coisas, dialoga também connosco. E sempre a dizer “está tudo bem, vai ficar tudo bem”. António Silva

Para quem conhece Norberto Lobo apenas dos álbuns que precedem Mogul de Jade, a parceria com o baterista João do-mesmo-sobrenome-mas-é-mero-acaso poderá destoar ligeiramente. Porém, como se escreveu aqui no ano passado, há neste trabalho a quatro mãos indícios daquilo que já tinha sido deixado a descoberto na colaboração com Tigrala. É patente em Mogul de Jade uma suave vontade de libertação das canções – belíssimas todas elas – que Norberto Lobo tem vindo a oferecer ao seu público. O que gera um diferente tipo de beleza. O álbum contém os dois espíritos, mais em uníssono do que em dissonância, e acima de tudo maravilhosos pela sua subtileza. Continua a haver espaço para o que de mais familiar ficou do autor de Mudar de Bina em momentos como a brilhante “Musgo na Voz” (na qual a voz é do próprio) e a deslumbrante “Bragança” (com voz de Norberto, João, Crista Alfaiate e Mariana Ricardo). O reverso da moeda são os devaneios da “Canção do João” ou a breve inicial “Himmelstorm”. De notar, também, a distinta contenção da bateria ao longo de todo o disco. O equilíbrio encontrar-se-á na faixa que dá título ao álbum dedicado ao artista Michael Biberstein, tio de Norberto Lobo, autor das capas dos trabalhos anteriores e que morreu em Maio deste ano. Tiago Dias

4. OCTA PUSH (Senseless Records Portugal)
anda a precisar de muitas coisas. Uma delas era, sem sombra de dúvidas, um disco como Oito. Fresco, actual, vibrante, urgente. Uma volta ao mundo com vários cheiros, vários aromas, vários ritmos. Depois de um EP prometedor em 2010 (com selo da Optimus Discos), Oito cumpre tudo aquilo que se esperava dos Octa Push – e ainda mais. E de uma forma imprevisível; o kuduro já é só coisa do passado e o futuro é tudo o que interessa aos irmãos Dizzycutter e Mushug. A oferta é ampla e para todos os gostos; o menu de electrónicas é do mais variado que se possa imaginar e ainda há alguma coisa de África por aqui. Oito é, sem espaço para dúvidas, uma maravilha da modernidade portuguesa. Devíamos todos dar graças por termos uma dupla deste calibre a partilhar o mesmo espaço que nós. André Gome

3. THE GLOCKENWISE (Lovers & Lollypops)
Os putos perderam a cabeça e enconaram – pelo menos é isso que poderíamos pensar ao ouvir “Goodbye” e toda a sua ternura ao piano, ou ao constatar que o quarteto de Barcelos está cada vez mais pop na sua abordagem ao mundo mágico do rock n’ roll. Longe vão os tempos do Rock Sem Merdas, mas de qualquer das formas eles nunca precisaram de rótulos – nem os querem – para descarregar canções nos nossos ouvidos: Leeches contém em apenas vinte minutos algumas das melhores malhas que se fizeram por cá em 2013, embebidas num caldeirão punk rock e recauchutadas de forma a soarem o mais orelhudas possível (“Time To Go” e “Napoleon”, dois meros exemplos, ficam na cabeça durante dias e de lá não querem mais sair). Difícil segundo disco? Quem disse que isso era sempre assim? Paulo Cecílio

2. GISELA JOÃO (Valentim de Carvalho)
Ainda agora aqui chegou e já lhe tecem os maiores elogios e hipérboles imagináveis. Tudo com este disco, onde foi capaz de se afirmar sem escrever uma só palavra, apenas com aquilo que a sua voz, postura e interpretação são capazes de fazer. E a verdade é que este não é um fado qualquer. Veio de um sítio de onde o fado não costuma vir e conseguiu chegar a sítios onde o fado raramente chega. Gisela João nasceu em Barcelos, cresceu com o fado, os viras e os malhões, o techno e o trance. Longe dos estereótipos de fadista, soube construir uma voz e uma imagem com contaminações de influências díspares, mas com um carimbo só seu. E com isso conseguiu chegar aos ouvidos mais tradicionalistas mas também a pessoas que descartavam o fado por ser triste, antiquado ou aborrecido. Gisela João sabe pegar numa canção e dar-lhe a intensidade que ela merece, seja de vívida e alegre voz, com o peso da mágoa e da saudade, ou até de forma interventiva, com uma nova “(A Casa da) Mariquinhas” saída da caneta de Capicua. E é assustador pensar o quanto Gisela João poderá ainda crescer. Ana Patrícia Silva

1. ERMO (Optimus Discos)
Se o EP de estreia já augurava um futuro brilhante ao duo de Braga, Vem Por Aqui é apenas a confirmação de que António Costa e Bernardo Barbosa ocupam desde já um lugar muito especial na história da música que por cá se faz. Não só porque optaram por fugir ao cânone tradicional que dita que sem guitarras não se pode ter algo para dizer (um pouco como a história antiga de que bandas que não cantassem na língua-pátria não iriam nunca ter sucesso) como capturaram em meros vinte e sete minutos o zeitgeist da nação que perpetuamente sonha com o regresso de um qualquer encoberto que a retire da cova, impulsionados por amores literários e pelos cliques e paisagens de uma electrónica idiossincrática que gerou canções como “Pangloss”. Vamos por aqui, vamos. E para onde vamos? Que o futuro brilhante – o nosso, o deles – chegue depressa. Paulo Cecílio

Free Jazz review by Tom Burris

CF 290John Hebert Trio – Floodstage (CF 290)
The sophomore album from the John Hebert Trio, following 2010’s Spiritual Lover disc (also on Clean Feed), opens with a rich, dark, brooding atmosphere of the sort Miles Davis used to conjure up in the 1970s. The piano trio, led by prominent NYC bassist Hebert, is augmented by a weird electronic delay-soaked pulse that flies in and out of the track like a drunken firefly in search of a place to pass out. This piano trio is different.

Things start swinging right away following this slightly surreal introduction with the title track, but it retains a dreamlike quality. The pulse wobbles and changes tempo and direction often enough that the alcohol-soaked quality comes to mind again; but I also can’t help thinking of a dust devil in slow motion. (Isn’t that it on the cover?) Drummer Gerald Cleaver is especially expressive here as he pushes and pulls the momentum of the music like a puppeteer controlling a mobile in a wind storm.

The next track, “Tan Hands,” features pianist Benoit Delbecq doing his best Keith Jarrett impression while Hebert does Gary Peacock and Cleaver does Paul Motian. Definitely derivative, but an homage that works and sounds absolutely gorgeous while still retaining the mysterious depth of the previous two songs. (Interestingly, the band also reminds me of Paul Bley – with Peacock and Motian – on a track sequenced later on the album called “Morning Mama.”)

This is followed by a very abstract blues called “Red House in NOLA,” appropriately steeped in humidity. Hebert and Delbecq dance gracefully around each other while Cleaver avoids steering the mobile into anything, letting its pieces clang softly in the breeze. This is followed by a rolling groove-based track called “Holy Trinity,” which sets the album back on the main road again with quiet force.
Among the many highlights: Delbecq plays a clavinet that sounds like a muted marimba or a thumb piano on “Saints,” which is followed by a track called “Sinners,” on which Hebert and Cleaver join in with Delbecq to thank Africa for talking to them. The band tackles “Just A Closer Walk With Thee” with a purity of heart that will put a big dumb smile on your face. Then there’s “On The Half Shell,” on which Delbecq combines piano and electric keys, playing the melody line an octave apart on each. Hebert is jumping all over the neck of the bass as well, full of giant octave leaps. Cleaver is again the playful driver of this bus, threatening to run them off the road at every turn just for fun, but in complete control of every situation.

I honestly love every second of this recording. There is mystery, beauty, soulfulness and darkness throughout; and the rapport between the players is beyond exceptional – but what absolutely kills me is the glowing tube-amp, wood fire, Christmas lights, cherry-pie-right-out-of-the-oven warmth of every single track. Maybe it’s this sub-zero Midwestern nightmare of a winter talking, but I think I’m going to spend every dark evening driving home from work to this album for the next month or so.

Free Jazz review by Stef Gissels

CF 287Angelica Sanchez & Wadada Leo Smith – Twine Forest (CF 287)
Beautiful albums do not need many words. Pianist and composer Angelica Sanchez has invited Wadada Leo Smith to join her for a duo album, recorded in April of last year. Sanchez is a member of the trumpeter’s “Organic” Ensemble, whose “Heart’s Reflections” also received a 5-star rating on this blog. Smith made one trumpet-piano duo album before, “Interludes Of Breath & Substance” with Matthew Goodheart, which was good, but this one is truly excellent.

The great thing about the album is that both musicians are absolutely fabulous. And Sanchez doubly so, first for her compositions, which are inventive, abstract and open-ended, confident and sensitive at the same time, full of careful touches, very modern without going overboard. Second, her playing, is fabulous too. Disciplined and accurate and lyrical and fluid. She goes back to tradition, and in pieces like “Veinular Rub” – one of my favorites, you can hear the blues as much as the modern cinematic composition, full of dark drama and sentiment. And of course the quality of Smith’s playing no longer needs substantiation.

“Retinal Sand” is one of my favorite pieces, because of its sustained tension, starting with some playing inside the piano supporting trumpet blasts by Smith, yet then everything goes quiet, but not quite, when cautious, almost hesitant chords force the muted trumpet to increase the volume, and the speed and the sad tone blossoms, opening like a flower, into clarity and playfulness.

But my favorite track is also “Echolocation”, with its beautiful middle section of single notes on the piano as a tonal center for the muted trumpet to circle around, minimal yet so rich, so rich.

I will not review all eight of my favorite tracks on this album, but each one of them has its own story to tell, its own intimate conversation, full of warmth, openness and beauty. The stories are sensitive, sometimes with drama, and are human, about you and me, and other people, about sadness and joy, and everything in between, delivered with nuance and subtlety and depth.

In the madness of our world, with all its violence, its anger, its noise and loudness, its shallow feelings and lack of time to listen to people or music – and I mean really listen to them – this album comes like an oasis in the desert, like a moment of silence in the chaos, a moment of calm in the mayhem.

It will not only provide the listener with the joy of listening and getting enthusiastic about musical beauty, but the album is also guaranteed to have strong therapeutic effects, putting the rest of the world at rest, putting things in perspective and offer soothing solace.