Daily Archives: December 3, 2014

Noiself review by Jesús Gonzalo

CF290John Hébert Trio – FloodStage (CF 290)
John Hébert figura en algunos de los tríos de pianistas más creativos y variados del último decenio: Russ Lossing, Uri Caine, Fred Hersch o John Escreet, aunque su experiencia más determinante e histórica le uniera al último Andrew Hill. El pianista y teclista parisino Benoît Delbecq se posiciona como un referente estético innovador que trasciende su discreta y moderna maestría en los teclados (en el trío con Samuel Blaser y Gerry Gemingway) al tiempo que cobra prestigio como productor a ambos lados del océano (con François Houle 5 +1 en Canadá y con el Samuel Blaser Quartet en Nueva York). De la dimensión percusiva única que imprime Gerald Cleaver en cada colaboración habla su presencia en algunos de los proyectos (tríos con Craig Taborn y William Parker, cuarteto con Formanek y Tomasz Stanko, octeto con Hébert-Lucian Ban sobre Enesco) más señalados del jazz avanzado reciente.

Juntar tres músicos tan originales, versátiles y expresivos como ellos, liderados no por un pianista sino por un contrabajista, ya supuso una señalada toma de contacto en su anterior trabajo. Tras Spiritual Lover (2010), y pese a tener carreras todos ellos cargadas de agenda, la alianza se consolida con este segundo disco para el sello portugués, anunciando gira en Europa para 2015. En un tono general que resulta magnético y penetrante, nunca cerebral ni meditativo, el concepto poliédrico en estilos y espacios que nos ofrecieron se reafirma al tiempo que interioriza y gana en expresión.

Queda matizada y más sutilmente interpretada su vertiente eléctrica, que les acercaba a un original sonido de jazz fusión, haciendo prevalecer la acústica. Pero esa original ambivalencia electroacústica de piano-teclado queda contrastada por el primer Cold Brewed y el último On the Half Shell títulos, en los que se pasa de una atmósfera sicodélica imaginada por Paul Bley a un Ornette Coleman festivo que se encuentra con Joe Zawinul, en un tiempo bop sin igual de Gerald Cleaver; o de la balada Loire Valley al bello tema africano Saints, donde Benoît Delbecq toca teclado y “piano preparado” imitando a una kalimba, un kora y un balafón al mismo tiempo, que da paso, tras un breve silencio, a la explosión de color en Sinners manteniendo la naturaleza africana.

Pese a desplegar empuje y texturas, se puede decir que es la inmersión en el sonido y en la pulsación continua la que generan un clima melódico único. De este modo, detalle e imaginación producen una música abierta, hermosa y plena.

http://noiself.blogspot.com.es/2014/08/john-hebert-trio-floodstage.html

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Jazz da Gama review by Raul da Gama

CF302Peter Van Huffel’s Gorilla Mask – Bite My Blues (CF 302)
Peter van Huffel Gorilla MaskWhen the late Lewis Thomas, geneticist and essayist, had listened to Gustav Mahler’s 9th Symphony, he was struck by the sense of disenchantment—even doom—he seemed to feel relating the symphony to the prospect of destruction due to war that seemed to plague modern society. That, it bears remembering, was during the Vietnam war, which America was embroiled in. Today’s death by terrorism seems to inform much modern music as it did not only the prospect of Mahler’s 9th, but also the music of the roaring 60’s. While Peter van Huffel’s Gorilla Mask’s recording, Bite My Blues may not sense doom, it certainly—like the protestations of African American 60’s music—suggests disenchantment. Even in the sense of desperation of the destruction of nature, which is suggested by the sardonic name of the ensemble, the music of dissonance and atonality marked by the compositions on this recording would appear to be de rigueur. The screaming of Mr. Van Huffel’s alto saxophone, the mighty groans of Roland Fidezius’ bass and the incessant rattling of the drums, and the snap and crackle of the cymbals and other percussion at the hands of Rudi Fischerlehner would suggest that something of that order is going on in the soulful depths of this trio. This makes for music that is not only beautifully terrifying, but significant as well.

Mr. Van Huffel is an accomplished alto saxophonist. His roaring, wailing voice is informed by influences as far removed as Igor Stravinsky is from Eric Dolphy. But the saxophonist’s a voice of marked individuality. In the exquisite excesses of wild glissandos and mournful vibrato is a virtuoso who is mindful of every note he chooses to play. Sometimes it takes an elegiac song such as “Broken Flower” to make that patently obvious. But somehow Mr. Van Huffel can also exhibit great courage and skill in the rapid and desperate-sounding structures and motifs that inform such fare as “Chained” and “Bite My Blues,” both rather powerful reminders that sometimes even many notes in a phrase can be raw and beautiful. And Mr. Van Huffel is not the only one doing this although he is the lead voice of the group. His terrific bassist Roland Fidezius and his drummer Rudi Fischerlehner are up to the task of making the sound of the group not only vociferous, but voluminous and appropriate to the music in a meaningful manner.

Gorilla Mask continues to pit the socio-political aspects of contemporary musical art against the very nature of sound itself. The ensemble did that on an older album, Howl. AN investigation into the musical values of this ensemble reveals thus not only raw virtuosity on the part of the players, but also a deep sense of commitment. While the end chart, “Z” might not be overtly a picture of impending doom, it is loud and dissonant enough to suggest that all is not well with the world—both musical and otherwise. For this and other reasons Gorilla Mask and the music they will continue to make will demand growing listenership and more serious thought as the ensemble develops further into the future.

http://jazzdagama.com/reviews/cds/peter-van-huffels-gorilla-mask-bite-my-blues/

Tomajazz review by Pachi Tapiz

CF 298Lawnmower II – II (CF 298)
Lawnmower II no es únicamente el título del CD, sino también de la formación. En la segunda encarnación de Lawnmower participan nuevamente el baterista Luther Gray (su líder) y el saxofonista alto Jim Hobbs, a los que se añaden el bajista Winston Braman y la violinista (con un instrumento de cinco cuerdas) Kaethe Hostetter. La suya es una mirada hacia el free en sus múltiples facetas: la espiritualidad de Coltrane, las influencia orientales, la inmediatez de Ayler, y la libertad total, sin dejar de reconocer la influencia del blues o el placer de solear mientras tus compañeros tejen un ritmo muy marcado y potentemente adictivo.

http://www.tomajazz.com/web/?p=13169

Something Else! review by S. Victor Aaron

CF302Peter Van Huffel’s Gorilla Mask – Bite My Blues (CF 302)
Peter Van Huffel’s primal scream therapy outlet is called Gorilla Mask, a thrash metal jazz trio we previously summarized as bringing “both the Brötzmann and the Black Flag together into a tidy, compact package.” Immediately following the alto saxophonist’s Boom Crane project with Michael Bates and Jeff Davis, Van Huffel again turns to a different rhythm section of Roland Fidezius (electric bass, effects) and Rudi Fischerlehner (drums) for getting his ya-ya’s out.

Bite My Blues (currently on sale via Clean Feed Records), picks up where the debut Howl! left off, delivering primordial outbursts with a hardcore punk body and an out-jazz engine. Performed live — the only way to play this — in front of a Toronto audience, it’s a set devoid of ballads and rich in bombast.

Fidezius’ thrumming bass kicks off the punk-minded “Chained” where Van Huffel reels off a series Arabic-styled lines before going off the rails. But group improv is always in play here as the bass riff changes and Van Huffel adjusts accordingly, finding a repeating figure as things settle down before band regroups for an encore of the thematic bass riff.
Managing to insert yet more ethnic music into this cauldron of doom, the main vamp of “What?!” is Slavic madness, and Van Huffel’s shrieks here can jolt you out of any slumber. As song moves into solo section, Fidezius’ bass emerges with fonky pedal effects and Huffel goes berserk. “Skunk” introduces itself with math-y head that’s really more bebop than math rock, and a bass solo almost immediately follows with no discernible meter. Van Huffel re-enters and it’s improv city, getting louder, faster and more urgent, a quick return to the head and just like that, they take the song out. A snarling, nasty-assed two note bass riff hovers over most of “Bite My Blues,” as Van Huffel emits harrowing, long notes and climaxes with an ear piercing solo before a return to the riff.

The glacial, three-note vamp of “Broken Flower” calls to mind Miles’ Bitches Brew-era “Feo,” but the three collectively move off of it to go exploring with building intensity before returning home. “Fast and Flurious” bears little resemblance to the version performed on Boom Crane until the comedic theme appears two-and-a-half minutes in. And finally, the distorted bass lines matches to the staggered beat of Fischerlehner’s drums, morphing into an “Immigrant Song” type of groove about halfway in, sending Van Huffel on his way. Eventually, things deconstruct into free form, culminating in tension release and a return to that groove.

Bite My Blues is madness, but there’s a method to this madness. Van Huffel sets the parameters wide, encouraging flexibility amongst everyone and it works, because everyone is so attuned to everyone else. From a punk attitude comes jazz aptitude; Gorilla Mask does it again.

http://somethingelsereviews.com/2014/06/24/peter-van-huffels-gorilla-mask-bite-my-blues-2014/

LongPlay review by Robert Ratajczak

CF302Peter Van Huffel’s Gorilla Mask – Bite My Blues (CF 302)
Niemal równocześnie na rynku pojawiły się dwa albumy wszechstronnego kanadyjskiego saksofonisty Petera Van Huffela, znanego zarówno z odważnych projektów muzycznych, jak i kameralnego składu House of Mirrors. Pierwszy z nich to ”Boom Crane” (2013 -z Michaelem Batesem i Jeffem Davisem), a drugi to kolejna płyta jego free jazzowego tria Gorilla Mask: ”Bite My Blues” (2014).

Formację poza Van Huffelem tworzy basista Roland Fidezius oraz kompozytor, producent muzyczny i przede wszystkim obdarzony niezwykłą wyobraźnią muzyczną austriacki perkusista Rudi Fischerlehner.

Fischerlehner już jako nastolatek w latach 90-tych angażował się w rozmaite projekty muzyczne, oscylujące między improwizowaną muzyką eksperymentalną a rockiem, a w ubiegłym dziesięcioleciu dał się poznać jako leader i wyłączny twórca repertuaru kwartetu Pinx. Nagrane w tym składzie płyty: ”Pinx” (2005) oraz ”milieu” (2007) okazały się niezwykle dojrzałą wizytówką Rudiego Fischerlehnera, doskonale odnajdującego się w nasyconych improwizacjami utworach kreowanych wraz z trojgiem muzycznych przyjaciół. Podczas kolejnych lat swej muzycznej drogi, Rudi miał okazję współpracować m.in. z saksofonistką Ingrid Laubrock (znaną polskim miłośnikom jazzu choćby z Festiwalu Made In Chicago czy z doskonałej płyty ”Catatumbo”, 2011) oraz nagrać płytę wraz z cenionym gitarzystą Andreasem Willersem i saksofonistą Frankiem Paulem Schubertem pod szyldem Grid Mesh (”coordinates”, 2010) i wyśmienity album ”TAM” (2013) wraz z gitarzystą Olafem Ruppem i puzonistą Matthiasem Mullerem.

Pod szyldem Gorilla Mask wszyscy trzej artyści dali już się poznać na pełnym wyjątkowej mocy albumie ”Howl!” (2012), a wydany w czerwcu 2014 roku nakładem kultowej wytwórni Clean Feed album ”Bite My Blues” zdaje się podążać w tym samym kierunku, znacznie jednak poszerzając stylistyczne spectrum o jeszcze większą dynamikę i siłę. Przede wszystkim Roland Fidezius zastąpił kontrabas na ”Bite My Blues” elektryczną gitarą basową, kreując tym samym partie jeszcze bardziej agresywne i niejednokrotnie wręcz nasycone duchem rocka.

Przykładem świetnego, niemal punk rockowego podkładu dla szalonych partii altowych Van Huffela, niech będzie choćby trzeci utwór na płycie: ”Skunk”, gdzie Fidezius wraz z Fischerlehnerem stawiają doprawdy wyjątkowo ciężki fundament rytmiczny.

Z kolei blisko 12-minutowy utwór tytułowy dzięki przesterowanemu, brudnemu, bluesowemu riffowi gitary Fideziusa wyraźnie ociera się o estetykę hard rocka. W sumie gdyby saksofon altowy Petera Van Huffela zastąpić w tym przypadku gitarą elektryczną -moglibyśmy śmiało zdefiniować ”Bite My Blues” jako stricte rockowy numer!

Szczególną uwagę przykuwa niemal elegijny w swym przekazie temat ”Broken Flower” -poruszająca melodyka z jakby żalącego się nam saksofonu Van Huffela przeciwstawiona jest tu swobodnym impresjom basu oraz szalejącej perkusji w tle.

Peter Van Huffel doskonale odnajduje się w każdej konwencji. Niezwykle agresywny sposób gry Alcisty pełen jest jednocześnie swego rodzaju duchowości (spod znaku Charliego Parkera i Erica Dolphy) emanującej prawdziwym uczuciem.

Album ”Bite My Blues” nagrany podczas koncertów Gorilla Mask w lipcu 2013 roku w Toronto jest doprawdy wyjątkową płytą, po którą każdy otwarty na free jazzowe eksperymenty słuchacz zdecydowanie winien sięgnąć.

http://longplayrecenzje.blox.pl/2014/06/Peter-Van-HUFFELs-GORILLA-MASK-Bite-My-Blues-2014.html

Citizen Jazz review by Nicolas Dourlhès

CF296Matthieu Donarier & Albert Van Veenendaal’s Planetarium – The Visible Ones (CF 296)
Depuis plusieurs années, chaque nouvelle référence du label portugais Clean Feed vient occuper une place de choix dans le paysage musical actuel. La rigueur de sa ligne esthétique choisie se double d’une grande exigence de qualité. Que ce Planetarium vienne y apporter sa pierre supplémentaire est un gage à la fois de la pertinence du label et de la valeur du duo.

Matthieu Donarier et Albert van Veenendaal se sont rencontrés en 2009 aux Pays-Bas lors d’une série de concerts où jouent en sextet leurs trios respectifs. En ouverture, ils interprétaient en duo une composition du saxophoniste, « Blue Rotterdam », écrite pour l’occasion. L’envie naît alors de prolonger la rencontre. A l’écoute du résultat, la chose paraît à présent évidente. On retrouve chez l’un comme chez l’autre un même intérêt pour le son en tant que matière, une même élégance dans l’écriture. Donarier, très justement reconnu pour son originalité (voir, l’an dernier, l’excellent duo Wood avec le contrebassiste Sébastien Boisseau) développe ici, au ténor ou au soprano, une sonorité maîtrisée, droite, resserrée, qui s’élève avec une grande clarté. En revanche, on se réjouit de découvrir aujourd’hui le Néerlandais Albert van Veenendaal, quasi inconnu en France. Influencé par John Cage, adepte du piano préparé, il a participé en tant que leader ou sideman à une cinquantaine d’enregistrements sur la scène nord-européenne. Parfait rythmicien au toucher délicat, il déroule un phrasé parcimonieux mais limpide.

La musique éveille parfois chez nous des sensations insoupçonnées. Ce duo permet ce genre de révélation. En préambule, « Blue Rotterdam » nous introduit dans une antichambre insolite où l’on accède via un passage escarpé : un très grand intervalle entre deux notes qui crée une tension et pose en exergue un mystère qui flottera jusqu’à la fin du morceau. Pas de lutte pour autant : le moment est intense, mais doux. On s’y installe pour se livrer à une contemplation paradoxale : scruter l’univers pour descendre au plus profond de soi.

Cette sensation d’étrangeté se poursuit avec un « Univers élastique » tout en arabesques aux couleurs délicatement orientalistes qui rappellent Satie. Le piano préparé de van Veenendaal, dont les cordes s’entrechoquent en des rythmiques feutrées et rondes, modère la dureté du propos. Là encore, aucune vérité n’est assénée. Puis vient « Calling », magnifique solo de soprano qui, dans sa solitude, ouvre encore plus d’espace et guide notre progression dans ce monde flottant. Douze pièces brèves en forme d’itinéraire à travers de vastes étendues baignées de lumière, profondes et secrètes à la fois sans qu’on ait jamais la sensation de franchir une étape. Chaque plage, en effet, nous cueille là où la précédente nous a laissés, dans une dérive calme, comme sous l’effet d’un charme. Les compositions (surtout celles de Donarier) sont obsédantes, limpides dans leur propos, lentes dans leur déroulé, ménageant des coups de théâtre vénéneux d’où surgissent des éclats de conscience, des univers si langoureux qu’ils peuvent en devenir dérangeants. « The Visible Ones », oscillant entre merveilleux et tragique, est la pointe extrême de ce parcours. L’infini du ciel s’épanche en nous. L’apaisement nous gagne peu à peu, tout se dénoue, mais reste intranquille.

La force de l’ensemble réside dans l’équilibre entre un propos très contemporain et un alliage de timbres qui se détache clairement, en laissant du sens à la respiration. L’impact n’en est que plus redoutable. L’espace et la lumière sont privilégiés. Pas d’effets inutiles, le propos est resserré parce qu’il est dense. Dans ces espaces de silence, nul besoin de se répéter ; chaque note compte.

http://www.citizenjazz.com/Matthieu-Donarier-Albert-van.html

Free Jazz review by Chris Haines

CF306Joe Morris Quartet – Balance (CF 306)
****½
Joe Morris is probably the most important guitarist working within free music at present. He has a wealth of recordings dating back over the last three decades and has been particularly prolific with various projects during the last few years. However, for me, I always feel that he produces his most important work in his quartet format. This particular recording pulls together his string-based quartet of Mat Maneri (viola), Chris Lightcap (bass), Gerald Cleaver (drums) and himself on electric guitar. This is the same line-up that produced the extraordinary album Underthru, and the same instrumentation as the excellent A Cloud Of Black Birds.

Joe Morris has a unique style and nobody else quite sounds like him especially when he is playing electric guitar in a more free jazz type setting, which as you would expect from this line-up is the mode of expression explored on this album. With the instrumentation that is involved the music has a chamber feel at times, particularly on the more introspective pieces such as Trust, but can be equally full-on as well. As with all good quartet writing and playing the focus is shared throughout the instrumentation and each musical personality comes to the fore right the way through the album, giving good contrast and balance to the material and the album as a whole.

All the pieces appear quite aptly titled with the first piece Thought being a complex but static texture that bubbles underneath the surface as if the ensemble is contemplating the musical excursion to come. This then moves into the second track Effort, which in contrast to the first piece contains a lot more ideas, textures and interplay. Although all tracks have single word titles I wouldn’t say that the musical pieces are summed-up by them, but rather give the listener a starting point which the music illustrates and explores further. This seems like an obvious thing to say, but I listen to so much music that doesn’t do this that when I finally hear music that does it so well it’s so refreshing to dwell on this simple fact. As you would expect from four excellent improvisers the playing contained within is a delight to listen to with Morris and Maneri being on particularly good form and shouldering the responsibility of holding down most of the foreground material.

Although showing what could be considered abstract tendencies the music seems to be contained by larger forms and alludes to fast bop-type pieces as well as ballad-like forms, chamber pieces, and free improvisations, which are all spun through Morris’s personal musical vision and incredible technique, resulting in the type of sound-world that only he can muster in this way. If you have heard his free jazz styled music before, (although Morris would consider all his music to be just ‘free music’ with no distinction) then you won’t be disappointed by Balance. If you haven’t heard a Joe Morris album before then this wouldn’t be a bad place to start, although I personally feel that Underthru just has the edge on it. However, this is a very welcome release from an important improvising musician, whom for my money works at his best within this particular format.

http://www.freejazzblog.org/2014/10/joe-morris-quartet-balance-clean-feed.html