Ruta 66 review by Pachi Tapiz

Mostly Other People Do the Killing – The Coimbra Concert (CF 214)
Los Mostly Other People es de lo más divertido que le ha pasado al jazz en bastante tiempo. Lo de estos cuatro músicos tiene mucho mérito ante la ola de conservadurismo que invade a parte de la crítica, público y también a parte de los músicos. Pensar en su música me lleva a pensar en comida: para alimentarse hay muchas opciones. Se puede ir a una franquicia (sean tapas, pizzas, hamburguesas o comida típica), a un restaurante de diseño, a una tasca de las de siempre… o a casa de alguna de alguna amable tía-abuela de esas que casi todos tenemos. A esa comida es a lo que me sabe su música: a cosas tomadas de aquí y allá (free, cool jazz o hard-bop), bien sazonadas con mucho swing por unos instrumentisas sobresalientes, melodías muy logradas y libertad a espuertas.

En su directo de Coimbra, su quinto disco, se muestran en su salsa. Los temas tienen el título del que sirve para iniciar su descarga de creatividad, aunque allí hay citas de otros temas, melodías improvisadas y solos soberbios. Sin la limitación del estudio, se expanden como sólo ellos lo saben hacer. Creando jazz de primera, ni más ni menos.

More and More review by Tim Niland

Aram Shelton’s Arrive – There Was… (CF 217)
Saxophonist Aram Shelton has become a fixture on the modern jazz scene in Chicago, Oakland and many other places around the globe. As a leader or participant in several different groups he has had the chance to explore many of the facets of improvised music. On this album with his group Arrive, with Jason Adasiewicz on vibraphone, Jason Roebke on bass and Tim Daisy on drums, they explore the open ended intersection between free jazz and composed music that was the hallmark of great musicians of the 1960’s like Andrew Hill, Bobby Hutcherson and Eric Dolphy. “Cradle” brings that Blue Note axis to the forefront with the band rotating on a broad musial axis in their choppy melody and fluid improvisation. “Lost” is a special performance, a ballad that is yearning for release through a spacious interlude of mysterious sounding vibes. The pace gradually picks up to a strong climactic finish led by strong saxophone. The spare and open feel also pervades “Fifteen” which has stuttering saxophone and drums setting the stage for a spare, open and spacious performance. “Frosted” slows things even further to a hushed conversation between vibes and brushes before Shelton’s tight saxophone enters, giving the music a light and open feel. The album is concluded with “Golden” where bass and vibes set a subtle groove before the leader picks up the pace with strong saxophone driving the performance to a powerful conclusion.
http://jazzandblues.blogspot.com/

Improjazz reviews by Luc Bouquet and Gary May

Improjazz review by Luc Bouquet

Jazz Thing review by Wolf Kampmann

Scott Fields / Matthias Schubert – Minaret Minuets (CF 213)
Dass sich Musiker aus der ganzen nahen und fernen Welt in Berlin zu neuen Projekten treffen, ist bereits oft erzählt worden. Zu diesen Wahlberlinern gehört auch Saxofonist Matthias Schubert, der aber mit Gitarrist und Klangerfinder Scott Fields immer noch seine Köln-Connection pflegt. Auf „Minaret Minuets“ (Clean Feed/NRW) springen die beiden Meister der experimentellen Musik einmal mehr ins Unbekannte. Sie setzen zahlreiche Elemente zusammen, die eigentlich nicht zusammengehören. unterschiedlichste Zustände, Härte- und Dichtegrade, Abstraktionslevels, Melodie- und Struktureinheiten, Zeitebenen sowie Farblichkeiten werden in einen Topf geworfen und sorgsam sortiert und montiert. Nicht jede Kombination klingt logisch, und doch ergibt alles einen Sinn, denn sie folgen einer selbstdefinierten Logik des Lebens, die alles andere als vorhersehbar ist.

English translation by Scott Fields:
It has been mentioned often that musicians from all over the near and distant world have collected in Berlin to bring forth new projects. These include new Berlin-resident saxophonist Matthias Schubert, who through guitarist and sound-inventor Scott Fields contiues his Cologne connection. In “Minaret Minuets” (Clean Feed / NRW), the two masters of experimental music jump once more into the unknown. They put together many elements that seem to not belong together. Different states, hardness and density, levels of abstraction, melody and structural units, layers of time as well as color are thrown into a pot and carefully sorted and assembled. Not every combination sounds logical, and yet it all makes sense, because they follow a self-defined logic of life that is anything but predictable.

Revista Arcadia review by Luis Daniel Vega

Ricardo Gallo’s Tierra de Nadie – The Great Fine Line (CF 209)
La primera vez que oímos hablar del pianista Ricardo Gallo fue en el 2004, cuando se dejó ver en La revuelta, disco de la agrupación bogotana Asdrúbal. Poco después de grabar junto a ellos viajó a Nueva York, donde se quedó a vivir por largo tiempo. Allí, en la Universidad Stony Brook, conoció al trombonista Ray Anderson, quien se convirtió en su profesor y, a la postre, en su colega. Ninguno de los dos se imaginó que seis años más tarde entrarían al estudio para darle vida a The Great Fine Line, quinta placa de Gallo luego de tres discos en cuarteto (Los cerros testigos, Urdimbres y marañas y Resistencias, todos ellos editados por el colectivo La Distritofónica, del que es miembro activo) y Meleyólamente, en dúo al lado del guitarrista Alejandro Flórez. 

Conformado en diciembre de 2007, el quinteto-sexteto Tierra de Nadie cuenta con la presencia de algunos “pesos pesados” del jazz y la llamada “música creativa” o “música improvisada” en Nueva York. ¿Y cómo convence un músico emergente de 33 años a otros que literalmente lo doblan en edad, y que cuentan con carreras consolidadas a lo largo de tres décadas? La respuesta es fácil: con música, fresca, poco prejuiciosa y, lo más importante, sin gentilicios. Así las cosas, los sonidos que nos encontramos en esta grabación son desarraigados y se adentran en territorios inhóspitos donde “los complejos y los mitos se resuelven en melodía”, como reza el epígrafe de Cortázar, impreso en el disco. 

Desde el jazz, la tradición de la música de vanguardia y de cámara, pinceladas andinas, otras citas prestadas del Caribe y el Pacífico colombianos, The Great Fine Line se siente, a primera vista, difícil. Claro, desde la entrada, el asunto es retador a todas luces como sucede en “Intruders”, corte en el que Anderson en el trombón, Mark Helias en el contrabajo y Satoshi Takeishi en la batería improvisan en onda minimalista por casi dos minutos antes de que el combo tome forma y se deje ir en un tema que por momentos nos recuerda las composiciones de Andrew Hill, a propósito, uno de los pianistas favoritos del bogotano. A partir de aquí no hay beneplácitos, lo que no significa de ningún modo que el disco sea hermético, despiadadamente freesero (de hecho no hay free por ningún lado), pretencioso y, en el peor de los casos, autorreferencial, es decir, escrito para ser entendido por algunos iniciados. Todo lo contrario. The Great Fine Line es accesible y nos tiene reservadas muchas sorpresas, como el imponente solo de Takeishi en “Stomp at no man´s land”; la nostalgia andina de “Hermetismo” (con Dan Blake impecable en el saxo tenor y Pheroan AkLaff soberbio en la batería); la delicadeza de Gallo en “The intervetion” y, para completar, “La pina blanca”, ingeniosa pieza en la que se cruzan, sin efectismos patrioteros, algo de dixieland, con porros chocoanos y sabaneros, estas últimas, sonoridades que Anderson asimila, precisamente, como si de verdad estuviera parado en la mitad de esa imaginaria tierra de nadie. 

Punto de giro en el oficio del capitalino, The Great Fine Line (editado por el influyente sello portugués Clean Feed) no puede ser escuchado como telón de fondo. Aunque suene a odiosa advertencia, hay que tomarse el tiempo necesario para escucharlo y no descuidar ningún detalle como sucede, por ejemplo, con el óleo “Piece on earth” (sí, como la pieza de Coltrane) con el que la artista Claudia Ruiz nos confirma que este disco es puro deleite… hasta para los ojos.
http://www.revistaarcadia.com/opinion/critica/articulo/sin-gentilicios/24573

JazzMag review by Philippe Méziat

JazzMag review by François-René Simon

Jazzreview review by Glenn Astarita

Tim Berne – InSOMNIA (CF 215)
A pivotal jazz luminary in New York City’s progressive downtown scene, alto saxophonist Tim Berne has notched his name into the record books as an innovator and stylist.  His discography and collaborations are well-documented.  However, Berne’s a global artiste who recurrently investigates nouveau spins on jazz and improvisation.  This release extends metrics and concepts previously exercised with longtime affiliates performing here.  Essentially, jazz as a whole reinvents itself as Berne looms as one of its primary motivating forces.  He enlivens his famed Bloodcount band, including musicians he’s teamed with in past aggregations on this diagonally executed venture, spanning avant chamber, jazz improvisation and highly-emotive spin-offs.

The musicians broaden their wares on two lengthy works that comprise the album.  On the opener “The Proposal,” they project an interesting concept featuring asymmetrical parts avant-garde, progressive jazz, chamber and improvisation.  Berne and associates project a fluent transformation between various interludes and segments, teeming with articulately-placed dynamics and intricately rendered unison choruses. With extended passages highlighted by mind-bending dialogues between strings and horns, the artists touch upon minimalist terrain amid garrulous exchanges and colorific contrasts.  They merge mini-symphonic movements into the mix as well.

Berne, clarinetist Chris Speed and trumpeter Baikida Carroll generate fervent episodes as a source of counterpoint and collaboration with violinist Dominique Pifarely and cellist Erik Friedlander.  Moreover, Marc Ducret performs solely on 12-string acoustic guitar.  Throughout, he offers a bridge between horns, strings and rhythmic extrapolations via his slicing and dicing frameworks, off-kilter jazz and cunning improvisational metrics.  On the second and final piece “oPEN, cOMA,” we are treated to swirling strings nestled between ominous horns voicings.  Marked by swerves, dashes and Carroll’s drifting solo, it is easy to discern that the album boasts numerous flowing mechanisms under the hood. 

Insomnia is an outing that plays tricks with your neural network and while not overly-aggressive, there are an abundance of interwoven movements that offer gobs of interest and delight.  Berne’s latest project with his longtime band-mates intimates a snapshot of ultra-modernism.  The ensemble architects a multihued portraiture that demands repeated listens which is a process that yields various impressions on a continual basis.
http://www.jazzreview.com/cd/review-21399.html

The New York City Jazz Record review by Stuart Broomer

Dual Identity – Dual Identity (CF 172)Rudresh Mahanthappa and Steve Lehman formed Dual Identity as an alto saxophone duo in 2004, relatively early in their careers and before they had emerged as two of the most important musicians of their generation.There’s a special playfulness in any band fronted by two improvisers playing the same instrument, prodding one another further. This concert recording presents Dual Identity in its quintet form, with guitarist Liberty Ellman, bassist Matt Brewer and drummer Damion Reid. It’s a highly cohesive group with astrongly defined collection of compositions crafted by the two leaders. The complex rhythms of “Foster Brothers” or the sudden lyrical bursts of “Resonance Ballad” hinge on both an experimental approach to form and a conversational give and take, a specific focus on the alto saxophone line as it has come down through Charlie Parker and Eric Dolphy, Cannonball Adderley and Jackie McLean. The value of the individual voice is apparent in the very contrast between Lehman’s drier sound and the rounder warmer voice of Mahanthappa. The group language is a key factor here, most highly developed in the cleverly titled “Extensions of Extension of”, with Ellman, Brewer and Reid creating a minefield of conflicting directions beneath the horns. The performance concludes with the title piece and the way the group began, a sustained unaccompanied dialogue between the two altoists, answering one another’s phrases or running spiral lingscales, matching fluting harmonics with circular breathing to multiphonics, a dialogue rooted at once in the potential of the saxophone and the mutability of pitch and time.